Galeria de Arte

Alfredo Volpi, o pintor das "bandeirinhas"

2009-06-14T09:37:00.005-03:00

Alfredo Volpi (14 abril 1896 – 28 maio 1988 ) nasceu em Lucca, Itália, a 14 de abril de 1896. Em 1897, a família Volpi emigra para São Paulo e se estabelece na região do Ipiranga, com um pequeno comércio. Destino comum aos filhos de imigrantes italianos, Volpi inicia-se em trabalhos artesanais e, em 1911, torna-se pintor decorador. Talvez daí decorra o gosto pelo trabalho contínuo e gradual da sua linguagem estética, próprio da valorização de um “saber fazer”.

William-Adolphe Bouguereau, pintor francês [1825-1905]

2009-05-10T06:17:00.006-03:00

Henri Matisse (1869-1954)

2009-04-20T22:51:00.014-03:00

The Dinner Table, detail, 1897, oil on canvas, private collection, London.

Still Life- Bouquet of Dahlias and White Book, 1923, oil on canvas, Baltimore Museum of Art.

Woman Reading, 1894, oil on canvas, Musée National d'Arte Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

Henri Matisse - "Histoires Juives" - 2001 Succession H. Matisse, Paris / Artists Rights Society (ARS), New York .

Henri Émile Benoît Matisse

"A arte do pintor francês Matisse baseia-se num método que, segundo ele próprio, consiste em abordar separadamente cada elemento da obra -- desenho, cor, composição -- e em juntá-los numa síntese, "sem que a eloqüência de um deles seja diminuída pela presença dos outros". Abandonou assim a perspectiva, as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesmo".

Mais aqui, sobre Henri-Émile-Benoît Matisse

Cristiano Mascaro, fotógrafo

2009-04-07T06:45:00.008-03:00

São Paulo, 1990, Cristiano Mascaroda, (Bolsa Vitae de Artes 1998)

"Cidades Reveladas" livro de Cristiano Mascaroda, editora BEI. A cidade de São Paulo foi o ponto de partida de sua trajetória como fotógrafo autônomo.

MiraCuba. Cristiano captou imagens em preto e branco mostrando detalhes e luzes surpreendentes da arquitetura da ilha durante o ano de 2000.

Back-Light. Este flagrante rendeu ao fotógrafo Cristiano Mascaro o Prêmio Porto Seguro de Fotografia/2007

Ave Leica. Cristiano Mascaro é arquiteto e fotógrafo. Bastante conhecido por seus registros sobre a arquitetura e patrimônio histórico brasileiro, Mascaro publicou na Folha de S. Paulo o seguinte texto.

Cristiano Mascaro: Fotógrafo independente desde 1988, é formado pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (USP), iniciou sua carreira como repórter fotográfico da revista Veja, recebendo em duas ocasiões o Prêmio Abril de Jornalismo. Em 1990 lhe foi atribuída a Bolsa Vitae de Artes e em 1995 recebeu o título de Doutor pela USP, com a tese "A fotografia e a arquitetura". Já expôs seus trabalhos no Brasil e no exterior, tem diversos livros publicados, entre outros livros, “Luzes da Cidade(1986)”, “São Paulo(2000)” e “Patrimônio Construído: as mais belas construções do Brasil(2002)” e em 2007 recebeu o Prêmio Especial Porto Seguro de Fotografia pelo conjunto de sua obra. Participou de inúmeras exposições no Brasil e no exterior e possui fotografias em coleções e museus. Biografia

Arte Retro: Cuisine

2009-03-10T01:30:00.009-03:00

http://www.art.com/gallery/id--b1850/cuisine-posters

Nossa Senhora da Cabeça, rogai por nós

2009-02-27T09:52:00.004-03:00

Nossa Senhora da Cabeça
Museu da Real Cofradía Matriz de la Virgen de la Cabeza de Andújar

No século VII, quando a Espanha foi ocupada pelos árabes muçulmanos, o Bispo de Andújar, da região de Andaluzia, mandou esconder a imagem da Santíssima Virgem, no alto inacessível da Serra.

Séculos mais tarde, quando a região já fôra reconquistada pelo rei São Fernando III, ela foi encontrada. A aparição ocorreu na noite de 12 de agosto de 1227, para o pastor João Alonso de Rivas que recolhia seu rebanho. Ele foi surpreendido por uma estranha luz acompanhada do som incessante de um sino que vinha do pico da Cabeça, nome dado ao ponto mais alto da Serra Morena. Intrigado subiu a montanha e avistou a imagem de Nossa Senhora entre duas rochas.

O culto chegou ao Brasil com a família de Martim Corrêa de Sá, fundador da cidade do Rio de Janeiro, no século XVII. Casado com uma espanhola da região de Andaluzia, ele aprendeu essa devoção com a esposa. Assim, aqui na colônia mandou construir a primeira capela para Nossa Senhora da Cabeça, no terreno de sua propriedade. Hoje, com mais de quatrocentos anos, é a mais antiga que o Estado possui.
Fonte:quiosqueazul

Visões de Ouro Preto

2009-02-22T02:05:00.010-03:00

Morador de Ouro Preto e fotógrafo profissional desde 1982, Eduardo Trópia foi, ao lado de Carol Reis, responsável por boa parte das imagens que ilustraram a cobertura do Fórum das Letras de Ouro Preto, em toda a imprensa. Aqui estão imagens de Trópia, com um olhar revelador sobre a cidade. Luciano Trigo

Henri Cartier-Bresson, pai do fotojornalismo

2009-02-15T00:44:00.003-03:00

Cartier-Bresson: o olhar do século 20

O jornalista Pierre Assouline escreveu a biografia, agora lançada no Brasil pela editora L&PM, sobre o fotógrafo francês... aqui

Nancy, Lorraine, France

2009-02-13T19:27:00.003-03:00

The Place Stanislas, known colloquially as the place Stan', is a large pedestrianized square in Nancy, Lorraine, France. Since 1983, the architectural ensemble comprising the Place Stanislas and the extension of its axis, the Place de la Carrière and Place d'Alliance, has been on the list of UNESCO World Heritage Sites. Fotos

Fotografia : Bárbara e Leandro Charles

2009-02-08T10:35:00.001-03:00

"DURANTE A CHUVA"

Chuva fraca, chuva chata, chuva intensa, chuva que nos prende em casa, ar humedecido, pinos minúsculos, pingos grossos, chuva torrencial, piso molhado, carros devagar, vidros embaçados, chapéus virados, jardim transformado num lago, bancos de praça encharcados e por fim chuva. Chuva foi o ponto de partida para essa exposição fotográfica dos argentinos Bárbara e Leandro Charles. Os fotógrafos compartilham uma visão de incredibilidade sobre a realidade das imagens. Fonte:http://www.colorida.pt/expo-port.html

Cultura pop

2009-01-31T11:35:00.000-03:00

Do que as nossas avós já sabiam

Elas foram um dos primeiros apelos do que chamamos hoje de cultura de massa ou de cultura pop e têm grande responsabilidade sobre o modo como as mulheres começaram a ver a si mesmas após os anos 40, embora vinte anos antes tenha sido o reflexo direto de uma época onde nunca antes se puderam ver tantas pernas nuas. No primeiro caso, as donas de casa descobriam que era possível posar para uma foto sem ter a alegre companhia de um fogão novinho ao fundo e, no segundo, era a explosão do furor depois de anos de crise.

Mas imagens de mulheres com sentido erotizado têm suas raízes um pouco antes das crises de 1919, que varreram o dinheiro de muitos bolsos de forma parecida com o que vemos acontecer hoje. No início do século XX, a tensão que reprimia as sensualidades do ocidente de modo radical (por exemplo, recomendavam-se cintos de castidade) começou a dar frutos, ou seja, uma sociedade sexualmente pervertida estava nascendo. Fotinhos de moças nuas eram escondidas no armário enquanto os pulp fictions eram devorados por cenas de bondage e defuntas despidas. Continua aqui

Subitamente, o mundo vai da sombra à cor - irmãos lumiere

2009-01-20T12:16:00.013-03:00

Obvious: Muito longe ainda daquilo que viriam a ser as futuras técnicas modernas da aquisição de imagens a cores, os irmãos Lumiere traçaram cedo um caminho, inspirando futuras abordagens e tecnologias desta arte. Em 1903 foi patenteado um processo fotográfico com o nome de autochrome Lumière - posteriormente comercializado em 1907 - que permaneceu como o principal processo disponível no mercado, até ter sido substituido em meados dos anos 30 com o advento do filme a cores, introduzido por uma empresa desconhecida chamada Kodak. O “Autochrome Lumière” provinha de uma técnica artesanal que misturava partículas microscópicas de batata com corantes laranja, verde e azul. O pó da batata, que funcionava como filtro de cor, era colocado entre filmes a preto e branco e depois montado numa lâmina de vidro. Com uma técnica tão primitiva, mas engenhosa, não deixa de ser admirável a qualidade fotográfica conseguida há mais de 100 anos. Delicie-se com as imagens.

Fonte

Pintura Brasileira.Com

2009-01-08T00:31:00.004-03:00

Carlos Scliar, Marinha, 38 x 57 cmVinil e colagem encerados sobre eucatexAno: 1971

A serviço da arte. O "pinturabrasileira.com" é um site dedicado à prestação de serviços para o mercado de arte. Nossas áreas de atuação são a consultoria, a avaliação e a intermediação na compra e venda de obras de artistas altamente representativos da pintura brasileira.Você pode usar o "pinturabrasileira.com" para adquirir as obras que fazem parte de nosso acervo on-line e também para colocar à venda as obras que possui.O "pinturabrasileira.com" pode ainda ajudar potenciais investidores a identificar excelentes oportunidades de negócios.

2009-01-04T12:51:00.005-03:00

Natal na Pintura

1 - Virgem com o Menino,S. Bartolomeu e Santo Antão

2 - Nossa Senhora com o Menino, Álvaro Pires de Évora.

3 - Nossa Senhora com o Menino, Álvaro Pires de Évora.

4 - Nossa Senhora com o Menino, Álvaro Pires de Évora

5 - Nossa Senhora com o Menino e dois Anjos, Álvaro Pires de Évora.

6 - A Virgem, o Menino e Anjos num Jardim, Gregório Lopes.

7 - Presépio, Gregório Lopes.

8 - Adoração dos Magos, Vicente Gil.

9 - Natividade, Vasco Fernandes.

10 - Adoração dos Magos, Vasco Fernandes.

11 - A Virgem com o Menino, Antônio Vaz.

12 - Repouso na Fuga para o Egito, Álvaro Nogueira.

13 - Apresentação do Menino no Templo, Antônio de Oliveira Bernardes.

14 - Francisco de Assis e Santa Clara Adorando o Menino Jesus, Josefa de Óbidos.

15 - Natividade, Josefa de Óbidos.

16 - Adoração dos Pastores, Josefa de Óbidos.

17 - S. José e o Menino, Josefa de Óbidos.

18 - O Menino Jesus Salvador do Mundo,Josefa de Óbidos.

19 - Sagrada Família, André Reinoso.

20 - Adoração dos Magos, André Gonçalves.

21 - Sagrada Família (autor desconhecido).

Fonte

Obras de Matisse e Picasso são roubadas de galeria em Berlim

2009-01-02T23:38:00.006-03:00

`O Buquê´, litografia de 1962, de Geroge Braque, roubado da galeria em Berlim. Foto: Divulgação

`Mulher de couro´ (1981), escultura feita em bronze, de Richard Heß. Foto: Divulgação

`Nú na cadeira de balanço´, litografia de 1913, de Henri Matisse, roubado da Galeria Fasanen. Foto: Divulgação

`Perfil ao fundo negro´, obra de Pablo Picasso roubada da Galeria Fasanen, em Berlim. Foto: Divulgação

BERLIM - A Galeria Fasanen, na rua do mesmo nome em Berlim, perdeu um total de 25 litografias, gravuras e desenhos de artistas como Pablo Picasso, George Braque e Henri Matisse no réveillon, segundo informou nesta sexta-feira, 2, a polícia da cidade. Além disso, foram levadas outras oito esculturas. Os ladrões levaram todas as obras, avaliadas em 180 mil euros (cerca de R$ 580 mil), pertencentes a uma exposição que a galeria organizava.

Veja também:
Confira as fotos de algumas obras roubadas

Segundo as primeiras investigações, o furto só foi descoberto na quinta-feira, 1º. Acredita-se que os criminosos tenham entrado por uma porta na parte de trás do prédio. Por conta da quantidade de peças roubadas e também pelo tamanho de uma das esculturas, a polícia acredita na ação de mais duas pessoas.

A polícia berlinesa divulgou em sua página na internet as imagens de algumas das peças roubadas, entre elas o Perfil ao fundo negro (1947), de Pablo Picasso, e pede a colaboração da população para descobrir o paradeiro das obras.

Estadão

Obras de Fra Angelico (c.1395-1455)

2008-12-04T18:43:00.000-03:00

Perugia Triptych: Angel of the Annunciation. 1437. Tempera on panel. Galleria Nazionale dell'Umbria, Perugia, Italy

Perugia Triptych: The Virgin from the Annunciation. 1437. Tempera on panel. Galleria Nazionale dell'Umbria, Perugia, Italy

Madonna with Angels and the Saints Dominic and Catherine. c. 1437. Tempera on panel, 23 x 18 cm. Pinacoteca Vaticana, Vaticano, Rome

The Coronation of the Virgin. c. 1434-1435. Tempera on panel. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy

Madonna and Child. After 1433. Tempera on panel. 100 x 60 cm. Pinacoteca Sabauda, Torino, Italy.

Certosa del Galluzzo Triptych. 1428-30. Tempera on panel. 170 x 79 cm (each panel). Museo di San Marco, Florence, Italy.

San Pietro Martire Triptych. 1428/29. Tempera on panel. 137 x 168 cm. Museo di San Marco, Florence, Italy.

Madonna Surrounded by Angels. c. 1429. Tempera on panel. 37 x 28 cm. Städelsches Kunstinstitut mit Städtischer Galeria, Frankfurt am Main, Germany.

The Last Judgement. c.1431. Tempera on wood. 105 x 210 cm. Museo di San Marco, Florence, Italy.

The Last Judgement. Detail: The Blessed. c.1431. Tempera on wood. 105 x 210 cm. Museo di San Marco, Florence, Italy.

Annunciation. c.1432-1434. Tempera on panel. 175 x 180. Museo Diocesano, Cortona, Italy.

Fra Angelico

(c.1395-1455)

Biography

Fonte

Alfred Eisenstaedt, fotógrafo

2008-11-25T07:40:00.001-03:00

Ballerinas standing on window sill in rehearsal room at George Balanchine's School of American Ballet, New York, NY, US, 1936

Ballerinas lean against windows in break from from class at American Ballet School, New York, NY, US, 1936

Ballerinas at George Balanchine's School of American Ballet gathered around accompanist during rehearsal, New York, NY, US, 1936

Ballerinas practicing at Paris Opera ballet school, Paris, France, 1963

Closeup of legs of young ballerinas in toe shoes under desk at La Scala Ballet School, Milan, Italy, 1934

Alfred Eisenstaedt: Nascido na antiga Prússia, em 6 de Dezembro de 1898, naturalizado norte-americano. Aos oito anos a família mudou-se para Berlim, na Alemanha, onde ficou até ao momento em que Adolf Hitler chegou ao poder. Aos catorze anos um tio ofereceu-lhe uma câmara fotográfica, uma Eastman Kodak nº 3 (uma câmara de fole). Três anos mais tarde foi recrutado para o exército alemão. Em 1918, durante a Primeira Guerra Mundial, uma explosão de uma granada afectou-lhe ambas as pernas. Foi o único sobrevivente do ataque e foi mandado ferido para casa. Levou cerca de um ano até poder caminhar de novo sem ajuda, e foi durante a recuperação que se interessou novamente pela fotografia. Eisenstaedt recebeu inúmeros prémios e galardões. A cidade de Nova York nomeou um dia em sua honra, com a Medalha Presidencial das Artes, o ICP (Internacional Center of Photography) atribuiu-lhe o prémio Masters of Photography, entre outros. Nos seus últimos tempos de vida continuou a trabalhar, supervisionando a impressão das suas fotografias para futuras exposições ou livros. Trabalhou com fotografias até morrer, em Nova York, em 24 de agosto de 1995. Aqui

Pintura Cubista

2008-11-23T03:50:00.004-03:00

Mulher e menino. Fernand Léger. Museu da Basiléia.

Natureza-morta ou Le Jour. Georges Braque. Galeria Nacional, Washington.

As senhoritas de Avignon. Pablo Ruiz Picasso. Museu de Arte Moderna, Nova York.

Nos primeiros anos do cubismo, a pintura se caracterizou pela redução a rígidas formas geométricas de tudo o que fosse representável. Tudo o mais foi deixado de lado, em favor da revalorização dessas formas. Foi assim que se pintaram casas sem portas e sem janelas e pessoas com uma só mão ou apenas um olho. As cores utilizadas eram ascéticos ocres, marrons e verdes, com a função principal de remodelar as formas.

Os cubistas também recolocaram em suas telas temas como perspectiva e luz. Mas nada se distanciou tanto das teorias do renascimento. Suas obras demonstram que os artistas rejeitavam deliberadamente a criação de um ponto matemático a partir do qual o observador pudesse contemplá-las. As figuras se superpõem e se projetam umas sobre as outras. Nem a luz tem uma fonte definida e muda constantemente de direção.

O volume foi cedendo importância à plasticidade. As figuras se tornaram planas e tensas. As cores se perderam em transparências, chegando quase à monocromia, e já não se consegue diferenciar o corpo do espaço que o contém. Em sua segunda fase, o cubismo começa a se interessar pelas diferentes texturas e materiais, produzindo colagens originais, de cores muito vivas. Volume e espaço são apenas insinuados com pequenos e leves traços de sombra.

Corre o ano de 1911, e os cubistas, que são agora um grupo mais que respeitável de artistas, se apresentam no Salon des Indépendants, despertando todo tipo de expectativa. Esse grupo de revolucionários carregados de entusiasmo e idéias novas agitaria não só o panorama artístico parisiense como o do resto do mundo. Definitivamente, já nada voltará a ser igual na história da arte, a partir desse momento significativo.

Fonte

Referências bibliográficas

EXPRESSIONISMO, cubismo, futurismo e dadaísmo. Barueri, SP: Videolar Multimídia, [2004]. 1 CD-ROM. (Enciclopédia Caras, 9). (bibliografia completa)

2008-11-18T23:25:00.015-03:00

O Teto da Capela Sistina é um monumental afresco de Michelangelo realizado entre os anos de 1508 e 1512 na Capela Sistina, no Vaticano, como o nome indica.

Deus separando a Luz das Trevas

Deus criando o Sol e a Lua

Deus separando a Luz das Trevas

A Criação de Adão

Pecado original

Deus criando o Sol e a Lua (detalhe)

O Sacrifício de Noé

Capela Sistina de Michelangelo
"na grandiloqüente obra concorreram amor e ódio"

Na realização desta grandiloqüente obra concorreram amor e ódio... Michelangelo teria feito contrariado este trabalho convencido que era mais um escultor, que um pintor. Encarregado pelo Papa Júlio II, sobrinho do Papa Sisto IV, de pintar o teto da capela, julgou ser um conluio de seus rivais para desviá-lo da obra para a qual havia sido chamado à Roma: o mausoléu do Papa. Mas, dedicou-se a tarefa e fez com tanta mestria que praticamente ofuscou as obras primas de seus antecessores na empresa. Os afrescos no teto da Capela Sistina são, de fato, um dos maiores tesouros artísticos da humanidade. É difícil acreditar que tenha sido obra de um só homem, e que o mesmo ainda encontraria forças para retornar ao local, duas décadas depois, e pintar na parede do altar, sacrificando, inclusive, alguns afrescos de Perugino, o “extraordinário espetáculo” do Juízo Final, entre 1535 e 1541, já sob o pontificado de Paulo III... Aqui

Photoshop: arte e publicidade

2008-11-12T07:34:00.008-03:00

Cupid

Air Bouguereau

Outras imagens aqui

28ª Bienal de SP: além do vazio

2008-11-04T01:31:00.005-03:00

Instalação da artista sérvia Marina Abramovic é um dos destaques da exposição Em vivo contato na 28ª BIENAL DE SÃO PAULO, até 6 de dezembro. Pavilhão Ciccillo Matarazzo, Parque Ibirapuera, em São Paulo. Aberta de terça a domingo, das 10h às 22h. >>>

Leia aqui: "Vazio é o dos gigolôs da Arte"

http://www.new.divirta-se.uai.com.br/

Patrimônio abandonado

2008-10-29T06:31:00.005-03:00

Interior do Edificio Chanteclair, no Bairro do Recife, com risco de desabar.

Em Recife, cito, além do Edifício Chanteclair que está para ser restaurado há anos, o prédio dos pracinhas da 2º Guerra Mundial, que fica na Rua Gervásio Pires, e está caindo aos pedaços. Podem até alegar que esse prédio não é de responsabilidade municipal, e sim estadual e federal, mas ele exemplifica bem o descaso do poder público.

No interior do Estado de Pernambuco, o Engenho Monjope, no município de Igarassu, um dos muitos exemplos do descaso com o patrimônio histórico na rota dos antigos engenhos. Na Ilha de Itamaracá temos outros tantos. No município de Goiana outros mais. No Litoral Sul também. Na verdade, em todo o Estado nosso patrimônio histórico está em ruínas. Clique para ampliar. Vou citar dois exemplos lá do Vale do São Francisco, Sertão do Estado. O primeiro é a Igreja de São Miguel, na ilha homônima. Creio que ninguém nem sequer saiba da existência dessa igrejinha. Tive o privilégio de conhecer quando estive na região.

Vejam as fotos:

Igreja de São Miguel. Localizada na ilha de mesmo nome, no Rio São Francisco, entre os municípios de Orocó e Cabrobó. PE. Clique para Ampliar

E a Capela da Ilha da Assunção. Cabrobó, PE, uma das mais antigas da Região, em plena ruína. Clique para Ampliar

Fotos: Sérgio Schnaider
Fonte:"A falta de preservação patrimonial e a mitificação de heróis políticos"

Arte no Brasil

2008-10-19T10:54:00.007-03:00

Anita Malfatti, Paisagem Rural, 26 x 45 cm, Óleo sobre tela colada em madeira, Ano: Déc. 40

Sérgio Millet, Paisagem, 37 x 45 cm, Óleo sobre tela, Ano: s/d

José Pancetti, Figos, 20 x 25 cm, Óleo sobre madeira, Ano: s/d

O "pinturabrasileira.com" é um site dedicado à prestação de serviços para o mercado de arte. Nossas áreas de atuação são a consultoria, a avaliação e a intermediação na compra e venda de obras de artistas altamente representativos da pintura brasileira. Você pode usar o "pinturabrasileira.com" para adquirir as obras que fazem parte de nosso acervo on-line e também para colocar à venda as obras que possui. O "pinturabrasileira.com" pode ainda ajudar potenciais investidores a identificar excelentes oportunidades de negócios.

2008-10-11T08:24:00.001-03:00

Balzac e a arquitetura

A natureza “fala”. E a arquitetura fala, pelos cotovelos.

Comprei outro dia um livro usado de Balzac por 20 centavos. Folheando o volume, achei essa reflexão sobre a arquitetura, que tomo a liberdade de traduzir:

“Os acontecimentos da vida humana, seja pública, seja privada, são tão intimamente ligados à arquitetura que a maior parte dos observadores pode reconstruir as nações e os indivíduos em toda a verdade dos seus hábitos, segundo os restos de seus monumentos públicos ou pelo exame de suas relíquias domésticas. A arqueologia é para a natureza social o mesmo que a anatomia comparada é para a natureza organizada. Um mosaico revela toda uma sociedade, assim como um esqueleto de ictiossauro subentende toda uma criação. De uma parte a outra, tudo se deduz, tudo se encadeia. A causa faz adivinhar um efeito assim como cada efeito permite de remontar à causa." (La Recherche de l’Absolu – A Busca do Absoluto, de A Comédia Humana).

Daí que, para Balzac, a descrição minuciosa do ambiente – da arquitetura e das condições naturais – era tão importante para a compreensão dos personagens quanto a ação e diálogos destes entre si.

A natureza “fala”. E a arquitetura fala, pelos cotovelos.

Na caixa de Comentários

"Mais ou menos, ... Nem sempre a arquitetura fala pelos cotovelos, às vezes ela sussurra. No caso dos países ibéricos ou mesmo dos sul-americanos que tiveram parte de sua arquitetura transformada por motivos religiosos, a construção nem sempre declara todos os seus "segredos". Talvez no Peru você tenha passado por construções originalmente incas e que hoje ostentam uma enorme de uma cruz". (Cláudia)

"O que será que diz a "soi-disant" arquitetura de São Paulo? Treme-se só de pensar nisso. A cidade "détraquée". Ou a cidade inexistente, talvez. Lembro das Cidades Invisíveis" de Calvino. Talvez a verdadeira cidade de São Paulo seja invisível também. Não se vê por aqui espaços de convívio. Parecemos um aglomerado apenas. Uma enorme periferia. Tem razão Balzac, a arquitetura diz tudo. E a não-arquitetura fala da inexistência da essência. que angústia. sinto até uma náusea. Opa, aí já entra o Sartre. Melhor parar". (Lulopret)

Cinema, Cultura & Afins 'Diário de Paris', por Luiz Zanin Foto: Michelle H. Harrison.

Galeria de Arte - Reynaldo Fonseca

2008-09-20T09:53:00.000-03:00

Reynaldo Fonseca - Pernambuco - Brasil - 1925

Possuidor de uma técnica apuradíssima, cria através da percepção de uma luz interior, um clima de mistério, de imaginário, transmitindo a mensagem além do real : transcende o tempo, o espaço.

Conheça a biografia e outras obras do artista:
http://www.di.ufpe.br/%7Emundi/numero0/artes/exposicao.html

Cuba continua a mesma...

2008-09-12T11:27:00.001-03:00

Na caixa de comentários

Fátima Campilho disse... "Oi, Santa. Se for para comparar o que tem de pior em Cuba com o que tem de pior aqui, fico com Cuba. A miséria, a fome, a violência, entre outras injustiças sociais, são terríveis neste nosso Brasil tão desigual. A grande questão é a falta de liberdade. Quem é livre para dizer o que pensa não compreende como um povo pode concordar em dividir o que é seu com os outros. Abraços".

Fotógrafo

2008-08-21T07:46:00.001-03:00

Show de bola, do alemão Alexander Pickl

Sinopse: Filme de Alexander Pickl, Alemanha 2005 - Tiago (Thiago Martins), um jovem morador de favela (RJ) vê como única chance de melhorar de vida a possibilidade de se tornar um jogador de futebol, mas enfrenta uma série de problemas. Um deles é Tubarão (Lui Mendes), o líder da gangue mais poderosa da favela, que deseja que Tiago trabalhe para ele como traficante. Alheio à ascensão dos traficantes em sua favela, o personagem passa a ser apadrinhado por um criminoso.

Diretor: Apaixonado por futebol, o alemão Alexandre Pickl esteve no Brasil seis anos atrás para rodar o videoclipe da música Tô nem Aí, de Luka. Voltou a seu país e conseguiu financiamento para filmar no Rio de Janeiro uma história sobre um garoto pobre tentando a carreira nos gramados.

Os comentários não eram animadores, mas o filme surpreendeu

Apesar de ser dirigido por um cineasta alemão, ainda por cima estreante, Show de bola faz uma leitura muito mais realista e convincente do que é a vida numa favela dominada pelo tráfico do que o badalado Era uma vez…(de Breno Silveira, co-produção-Globo Filmes), o que não deixa de ser curioso. A direção de atores também é muito superior, o que fica evidente no caso de Thiago Martins, que trabalha nos dois filmes. O roteiro é ágil e cria uma atmosfera de tensão psicológica crescente, à medida que o protagonista, um jovem que busca no futebol uma alternativa de vida, se vê enredado numa série de acontecimentos trágicos e violentos, infelizmente comuns no seu meio. Destaque para a atuação de Lui Mendes, no papel do traficante Tubarão. Pena que o filme não está recebendo muita atenção da mídia. Aliás o diretor Alexander Pickl já disse que sofreu muita resistência por ser um estrangeiro querendo filmar uma história tipicamente brasileira. A resistência continua…

http://colunas.g1.com.br/maquinadeescrever/

Henri Matisse

2008-08-17T12:17:00.006-03:00

Henri Matisse - "Still Life- Bouquet of Dahlias and
White Book" -(1923) - Oil on canvas -
Museum of Art, Baltimore, MA, USA - Image
Copyright © (cf. CGFA: www.sunsite.dk/matisse/)

Henri Matisse - "Histoires Juives" -
(19..?)- Paper print - Image Copyright ©
2001 Succession H. Matisse, Paris /
Artists Rights Society (ARS), New York
(cf. Global Gallery - The Online Art source)
Henri Matisse - "Harmony in Yellow" - (19..?)
Litograph - Image Copyright ©
Succession H. Matisse, Paris /
Artists Rights Society (ARS), New York
(cf. Global Gallery - The Online Art source)

Henri Matisse - "Red Interior, Still Life on
a Blue Table" - (1947) - Oil on canvas
Kunstsammlung Nordrhein-Wesfallen, Düsseldorf,
Germany - Image Copyright © Succession H. Matisse,
Paris / Artists Rights Society (ARS), New York

Henri Cartier-Bresson - "Henri Matisse" - (1943-44)
- Image Copyright © Succession Cartier-Bresson
(cf. Photographs: Henri Cartier-Bressom -
victorian.fortunecitity.com/stanmer/591/GalCarVisu2.htm)

J. William Waterhouse

2008-08-12T21:11:00.008-03:00

The_Flower_Picker

Mariamne leaving the Judgement Seat of Herod

La belle dam sans mercie

Ophelia

Narcissus

Boreas

John William Waterhouse (1849-1917) - Pintor de temas clássicos,históricos e da literatura, John William Waterhouse nasceu em 6 de abril de 1849 em Roma, filho de pais britânicos. Em 1850,sua família retornou à inglaterra.Antes de ingressar na Royal Academy Schools em 1870, Waterhouse ajudava seu pai- que também era pintor - em seu estúdio. Seus primeiros trabalhos eram temas clássicos à maneira de Alma-Tadema e Frederic Leighton e foram exibidos na Royal Academy de Londres,na Society of British Artists e na Dudley Gallery. No final de 1870 e 1880, Waterhouse fez várias viagens à Itália. Após seu casamento,em 1883, com Esther Kenworthy, fixou residência em Primrose Hill, onde fez seu atelier. Foi integrante do Royal Institute,em 1883. Suas últimas pinturas revelam seu interesse por temas associados aos pré-rafaelitas,sendo comumente associado aos mesmos, por causa de sua paixão pelos mitos e histórias clássicas, particularmente às trágicas e belas mulheres,assim como as pinturas ao ar livre. Em 1885 foi membro associado da Real Academia e seu acadêmico,em 1895. Em 1890, Waterhouse exibe retratos. Em 1901, mudou-se para St John's Wood e participou da St.John's Wood Arts Club,uma organização social que incluía Lawrence Alma-Tadema e George Clausen. Waterhouse continuou a pintar até sua morte, ocorrida em 10 de fevereiro de 1917, após longa enfermidade. Sua influência pode ser vista nos trabalhos de Sir Frank Dicksee, Arthur Hacker e Herbert e James Draper. Fonte

Maneirismo

2008-08-11T18:00:00.000-03:00

Obras de Vincenzo Campi (1536-1591,Cremona)

Após o aparecimento de Leonardo da Vinci, Rafael e Michelângelo, muitos artistas italianos tentaram buscar uma nova arte, contrária aos princípios da alta renascença. Trata-se de uma arte mais turbulenta, em que se buscavam idéias novas, invenções que surpreendessem, insólitas e cheia de significados obscuros. O estilo artístico que daí decorre recebe o nome de Maneirismo; surge da expressão "a maniera de", usada para se referir a artistas que faziam questão de imprimir certas marcas individuais em suas obras.

O novo estilo de imediato foi visto com desconfiança pelos críticos até o nosso século. Eles consideravam-na uma arte menor, uma falha de compreensão por parte dos artistas da época sobre a arte dos grandes mestres, imitações sem alma. O próprio termo maneirismo, relacionado ao mau gosto e excesso. Na verdade, todo movimento que fosse de encontro ao acadêmico não seria aceito. Mais tarde, mais ou menos no período entre as duas guerras mundiais, os artistas de então passaram a ser melhor compreendidos e admirados pelos críticos.

Cultura Brasil/ Web Gallery of Art

2008-08-07T11:06:00.010-03:00

Moema - 1866

Batalha Riachuelo (1865)

Estudo para A Batalha dos Guararapes (1874/1878)

Victor Meirelles era um gênio

Um poeta das tintas.

Um catarinense habitante da alma pernambucana. Nós que reverenciamos Monets e Manets, esquecemos os Meirelles.

O menino humilde que nasceu em Desterro, Santa Catarina. O pintor das grandes batalhas. O menino que chegou ao Rio de Janeiro aos 14 anos com dinheiro emprestado. O menino que foi adotado por D. Pedro II.

Enquanto os impressionistas franceses ainda não impressionavam ninguém, Victor Meirelles aos 24 anos pintou a Primeira Missa do Brasil na França. Obra-prima exibida no Salão de Paris.

A pedido do Imperador, Meirelles se enfurna em paisagens de guerra, sangue e pólvora. E pinta a neo-clássica Passagem de Humaitá. Batalha que abriu caminho para a conquista de Assunção pelos brasileiros na Guerra do Paraguai. Nome da rua onde habita o Figueirense.

Mas a imagem que os pernambucanos guardam de Victor Meirelles é outra. Todos se recordam dos livros escolares. Do quadro A Batalha dos Guararapes. Uma tela que vale por mil palavras. Um poema em forma de aquarela.

Quando Náutico e Figueirense entrarem em campo hoje nos Aflitos, eles poderiam disputar um troféu simbólico: A Taça Victor Meirelles. Uma pequena homenagem ao pintor que faleceu pobre e desamparado.

Demitido da Escola Nacional de Belas-Artes como velho pelos republicanos que não lhe perdoavam o talento e a amizade pela família real. Foi morar em um barraco. Trabalhando por migalhas para não morrer de fome. Seus esboços foram entulhados. Anos depois, apodrecidos, desapareceram jogados na baía da Guanabara. Como tralha.

Falece em pleno carnaval de 1903. Indigente. Um dos maiores pintores brasileiros, sucumbiu ao país onde nasceu. País feito de escárnio, política e esquecimento. Olhando a fenomenal Batalha dos Guararapes, a emoção se traduz em incredulidade. Em pecado.

Victor Meirelles era um gênio.

Um poeta das tintas.

Um catarinense habitante da alma pernambucana. Nós que reverenciamos Monets e Manets, esquecemos os Meirelles. O menino humilde que nasceu em Desterro, Santa Catarina. O pintor das grandes batalhas. O homem que morreu só e na miséria em uma manhã de carnaval. Aquarela do Brasil.

(Roberto Vieira)

Criatividade na rede

2008-08-06T07:26:00.001-03:00

Algumas curiosidades andam circulando na rede. Desconheço quem é o autor das esculturas e das fotos, mas achei muito interessante. Afinal, são criações a partir de ingredientes de cozinha.

Enviado pelo leitor Gilberto Cardoso/ Rio Grande do Sul

2008-07-27T07:53:00.007-03:00

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, obra mais cara do mundo

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, óleo e ouro sobre tela (138 x 138 cm), de 1907: riqueza de detalhes inspirada em mosaicos bizantinos na obra mais cara do mundo. Acervo da Neue Galerie, Nova York.

Criticado pela alta dose de sensualidade de seu trabalho, Gustav Klimt (1862-1918) tornou-se um dos mais importantes pintores do mundo. Sua obra Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) foi vendida em julho à Neue Galerie, de Nova York, pelo mais alto preço já pago por uma pintura: 135 milhões de dólares. Confiscado pelo regime nazista em 1938, o quadro retornou este ano à família. Influenciada pelos mosaicos bizantinos de Ravena, na Itália, a obra é da fase dourada do pintor, a mesma de O Beijo (1908), símbolo da secessão vienense, que, como a art nouveau, deu ênfase ao ornamental. Sob inspiração da escola impressionista, Klimt pintou também paisagens. Ele deixou vários quadros inacabados. Aqui

Sua época

Avirada do século XIX para o XX, quando Gustav Klimt espantava a Áustria com seus retratos sensuais de mulheres, foi também marcada pelo trabalho de outro vienense ousado: Sigmund Freud (1856-1939). O neurologista abriu em 1891 o consultório que ocuparia por quase meio século na capital austríaca. Ali surgiriam o termo psicanálise, o conceito de inconsciente e se começaria a falar da importância do prazer sexual durante toda a vida para se chegar ao desenvolvimento saudável. O assunto, até então, era tabu.

O autor

Segundo dos sete filhos de um cinzelador de metais preciosos, Gustav Klimt nasceu na pequena Baumgarten, perto de Viena. Aos 14 anos ingressou na Escola de Artes Decorativas da capital austríaca e aos 21 montou um estúdio. Pintou murais em vários prédios públicos, como o Teatro Municipal e o Museu Histórico da Arte de Viena. Nunca se casou, mas teve três filhos. Amava as mulheres, como se pode constatar em sua obra, que as mostra altivas e sensuais. Morreu em 1918 de derrame cerebral.

Fonte:http://caras.ig.com.br/arte/arte_18.htm
Foto : ARQUIVO ALPHABETUM

Fotos de Christopher Anderson

2008-07-22T09:43:00.010-03:00

Christopher Anderson aqui
Malaise on Wall Street: Downturn in the U.S. economy has left Wall Street with a certain sense of dread.

Le Déjeuner d’huitres

2008-07-18T00:09:00.004-03:00

“Le Déjeuner d’huitres”, pintura executada em 1734 por Jean-François de Troy, a pedido do rei Luis XV.

Do Bloco de Notas, a primeira imagem de um champagne. Os autores descrevem a cena assim…

“De certa forma, é quase um instantâneo de fotografia: doze gentilhommes estão sentados a uma mesa oval coberta com uma toalha de linho branco, e a conversa foi bruscamente interrompida enquanto eles acompanham a rolha de uma garrafa de champagne que se projeta em direção ao teto.”

A história da região e do vinho que é o retrato do espírito da França, passa pelas mulheres. Os autores destacam duas viúvas, Louise Pommery e Nicole-Barbe Clicquot, a famosa Veuve Clicquot. A história da região da Champagne na França é contada num livro sensacional que se chama “Champagne“. Os autores, Don e Petie Kladstrup, contam a história como o mais sofisticado dos vinhos venceu a guerra e os tempos difíceis. Na verdade, foram muitos conflitos, incluindo as duas grandes guerras mundiais e tempos difíceis após outros. O livro é uma homenagem ao champagne. Link

imagem

Marc Chagall

2008-07-07T07:22:00.003-03:00

Chagall (outras obras)

Aniversário de nascimento de Marc Chagall

Marc Chagall (Vitebsk, Bielorrússia, 7 de julho de 1887 — Saint-Paul-de-Vence, França, 28 de março de 1985) foi um pintor, ceramista e gravurista surrealista russo-francês. De seu verdadeiro nome Moishe Zakharovich Shagalov (em bielorusso: Мойша Захаравіч Шагалаў; em russo: Мовшa Хацкелевич Шагалов), iniciou a sua formação artística quando entrou para o ateliê de um retratista famoso da sua cidade natal. Lá aprendeu não só as técnicas de pintura, como a gostar e a exprimir a arte. Ingressou, posteriormente, na Academia de Arte de São Petersburgo, de onde rumou para a próspera cidade-luz, Paris... Continua

2008-06-29T09:34:00.000-03:00

Gaijin - Caminhos da Liberdade

Este ano comemora-se os 100 anos da Imigração Japonesa. Gaijin torna-se essencial para entender o processo da imigração japonesa no Brasil.

Tizuka Yamasaki ousou, em tempos de falência do cinema nacional, a compor o que é considerado o primeiro épico do cinema brasileiro, GAIJIN - CAMINHOS DA LIBERDADE - 1980. A saga dos imigrantes japoneses em 1908 foi construída segundo uma visão humanista com personagens bem desenvolvidos. Roteiro escrito pela diretora e Jorge Duran.

O filme não trata apenas dos imigrantes japoneses, mas lança igualmente um olhar para outros imigrantes e seu sofrimento em se adaptar no país em épocas de coronelismos, de explorações e misérias.

Narrado por TITOE (Kioko Tsukamoto) discorre sobre a chegada dos imigrantes japoneses no porto de Santos em 1908 e seguem para o trabalho de colheita de café na Fazenda Santa Rosa. Mão-de-obra barata, exploração dos imigrantes, dos trabalhadores em geral, num trabalho árduo (escravagista). Mas ali, tentam manter seu orgulho, sua perseverança, até mesmo morrer se preciso, mas realizar o "grande sonho": conseguir o dinheiro suficiente para voltar a terra natal.

Através de TITOE, Tizuka realiza uma observação profunda em torno dos problemas da aculturação, das dificuldades de relacionamento (inclusive com outros imigrantes), dos preconceitos além de discorrer sobre a fome, a opressão, as doenças... o suicídio. Mas persiste igualmente a forma em busca desse "caminho da liberdade".

Praticamente todos os personagens marcam com sua presença: desde a doçura de TITOE à trágica SRA. NAKANO ( Yuriko Oguri) que personifica o fatalismo oriental. Além dos atores japoneses como Jiro Kawarazaki, Keniti Kaneko e Maiku Kozonoi dentre outros, destacam-se as atuações igualmente brilhantes de Antônio Fagundes, Gianfrancesco Guarnieri, Louise Cardoso, Álvaro Freire, José Dumont entre tantos outros.

Gaijin - Caminhos da Liberdade venceu o Premio FIPRESCI - Menção Especial - no Festival de Cannes, 5 Kikitos de Ouro no Festival de Gramado: Melhor Filme, Melhor Ator Coadjuvante (José Dumont), Melhor Trilha Sonora, Melhor Roteiro e Melhor Desenho de Produção além de Melhor Filme, nos Festivais de Havana e de Nova Delhi. Certamente merecidos!

* Tizuka realizou em 2005 uma continuação: Gaijin - Ama-me Como Sou premiado no Festival de Gramado nas categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz Coadjuvante (Aya Ono) e Melhor Trilha Sonora.

**Gaijin significa "Aquele que vem de fora" (o estrangeiro).

Fonte/ Cartazes de Cinema

2008-06-22T12:04:00.009-03:00

Detalhe: A cabeça de São João Baptista numa bandeja de prata, segundo o desejo de Salomé.

A Decapitação do Profeta João Batista

Obra de Hans Memling -"Tríptico A decapitação de São João Batista (1474) "

A festa do martírio de São João Baptista remonta ao século V, na França; e ao século VI, em Roma. Está ligada à dedicação da igreja construída em Sebaste, na Samaria, no suposto túmulo do Precursor de Jesus. O próprio Jesus apresenta-nos João Baptista: "Em verdade vos digo que, entre os nascidos de mulher, não surgiu nenhum maior do que João, o Baptista, e, no entanto, o menor no Reino dos céus é maior do que ele ..." (Mateus 11:2-11). O martírio de João Baptista liga-se à denúncia profética das injustiças cometidas pelos poderosos, inclusive o luxo da corte, cujo desfecho fatal é a morte do inocente e a opressão dos marginalizados.

Ver Tríptico - "A decapitação do profeta João Batista" - Aqui

O Pintor: Hans Memling foi um dos mais notáveis pintores flamengos. De origem alemã, este pintor foi ignorado pela historiografia de arte até meados do século XIX, quando o seu nome se tornou sinônimo de uma verdadeira lenda. No início da sua vida artística passou algum tempo na cidade de Colônia, na Alemanha, onde os especialistas crêem que Memling tenha estudado. Porém, em 1466, Memling viaja para Bruges, onde se tornou aluno de Rogier van der Weyden. A partir daqui, a influência, não só de Van der Weyden, como de outros artistas flamengos (como Dirck Bouts) tornou-se proeminente na obra de Hans Memling. Na sua obra predominam as composições religiosas e famosos retratos. Retratos estes, que só foram concebidos devido à posição cultural, social e económica de Memling na cidade onde se encontrava estabelecido. (Hans Memling - Seligenstadt, 1430/1440 — Bruges, 1494).

Fontes:
Colorgraphia XLV, Portugal
Hans Memling, Wikipédia em português
Hans Memling, Wikipedia
Web Gallery of Art: Hans Memling

2008-06-14T01:41:00.000-03:00

50 anos sem o pintor Lasar Segall, um lituano no Brasil

Intensa programação, incluindo mostra com recorte inusitado, homenageia o artista

SÃO PAULO - Há 50 anos morria Lasar Segall (1891-1957). Dez anos depois, por iniciativa da viúva, Jenny Klabin Segall, começava a ganhar corpo a instituição museológica que preserva sua obra. Uma série de eventos foi organizada para relembrar essas datas e dar uma visibilidade pública diferenciada ao pintor lituano radicado no Brasil, dando a um público mais amplo a oportunidade de conhecer seu trabalho e entender a importância de sua obra no contexto do modernismo brasileiro e internacional. A mais destacada dessas iniciativas é a exposição Lasar Segall Realista (ler ao lado), que deverá ser inaugurada em dezembro na Galeria do Sesi e que depois segue para Curitiba (Museu Oscar Niemeyer) e Rio de Janeiro (Museu Nacional de Belas Artes). Aqui

2008-06-13T11:27:00.000-03:00

Apesar do sistema de segurança de última geração instalado na Estação Pinacoteca de SP, obras de Picasso, Di Cavalcanti e Segall são roubadas, e de forma prosaica.

As obras, que estavam expostas no segundo andar do edifício, valem juntos aproximadamente R$ 1 milhão e pertencem à Fundação José e Paulina Nemirovsky. As quatro peças foram roubadas por três homens armados que renderam os atendentes da Pinacoteca. Veja imagens da câmera de segurança, mostrando a ação dos ladrões, divulgadas pela Polícia Civil.

Os assaltantes levaram cerca de dez minutos para roubar as obras. Eles entraram no prédio após as 12h, renderam uma atendente, que ficou deitada no chão sob a mira de uma arma, desparafusaram as gravuras de Picasso --eles carregavam chaves de fenda-- e pegaram as demais telas, segundo o Deic. O trio teria fugido a pé. Nenhum funcionário do prédio tentou seguir os assaltantes.

As quatro obras foram roubadas por volta das 12h desta quinta (12) na Estação Pinacoteca, na região central de São Paulo, informou a Secretaria de Estado da Cultura. Duas gravuras do espanhol Pablo Picasso - "Minotauro, Bebedor e Mulheres" (1933) e "O Pintor e seu Modelo" (1963) -, um óleo do brasileiro Di Cavalcanti - "Mulheres na Janela" (1926) - e "Casal" (1919), guache de Lasar Segall, foram as obras levadas. Nenhuma das obras possui seguro.

Em dezembro do ano passado, os quadros "O Lavrador de Café" (1939), de Candido Portinari, e "Retrato de Suzanne Bloch", de Pablo Picasso (1904), avaliados em cerca de R$ 100 milhões foram furtadas do Masp. Em janeiro de 2008 as obras foram recuperadas pela polícia de São Paulo e devolvidas ao museu. Após o último roubo, a segurança foi modernizada, com a instalação de um sistema de última geração, instalado na Pinacoteca.

"Interpol é informada sobre roubo em museu de SP; polícia alerta portos e aeroportos"

Obs: Todas as peças roubadas do patrimônio nacional constam no site Iphan. Denúncias anônimas podem ser feitas pelo telefone 0/xx/21/2262-1971, fax 0/xx/21/2524-0482, ou pelo e-mail bcp-gemov@iphan.gov.br.

Imagem: À esquerda, guache sobre cartão "Casal (1919) de Lasar Segall. À direita,"Mulheres na Janela" (1897), de Di Cavalcanti

2008-05-28T07:12:00.003-03:00

Obras de Goya por US$ 3,9 mi em leilão

Três desenhos do artista espanhol Francisco de Goya (1746-1828) que estavam desaparecidos havia cerca de 130 anos reapareceram numa coleção de arte suíça e serão colocados à venda no dia 8 de julho, informou a casa de leilões londrina Christie's. Estima-se que o valor individual de cada obra gire em torno de 2,5 milhões de euros (cerca de 3,9 milhões de dólares).

A venda pública promovida pela Christie's negociará os desenhos Bajar riñendo, Arrepentimiento e El aguacil Lampiños cosido dentro de un caballo muerto. Os três trabalhos compunham, originalmente, um conjunto de 105 desenhos de álbuns particulares do artista.

Realizadas em 1796, as obras tinham sido vistas pela pela última vez em abril de 1877, quando foram leiloadas por valores insignificantes num hotel de Paris. A família dona da coleção na qual foram encontradas as raridades não soube dizer onde e quando elas foram adquiridas. Fonte

2008-05-02T08:46:00.001-03:00

Arte e Publicidade - Eixos da simbiose

Worth1000 Photoshopping transforma obras de arte em peças publicitárias.

A arte sempre foi uma dos grandes instrumentos da propaganda e publicidade. Desde o pôster 'Belle Époque' anunciando um show em um cabaré local, passando pelo novo jingle do banco transmitido pelo rádio até a produção cinematográfica recheada de efeitos especiais para a nova propaganda de refrigerantes na TV. Como ferramenta a arte às vezes se confunde com a propaganda, mas raramente ela é o diferencial em foco ou a verdadeira motivação por trás de uma campanha.
overmundo

2008-04-26T15:26:00.002-03:00

O guerreiro - 1982 (uma das últimas obras de Dalí)
Salvador Dalí morreu há 18 anos.

Salvador Dalí nasceu em Figueres, Espanha, em 1904. Estuda em Madrid, integrando-se no grupo de artistas e poetas da Geração de 27, estabelecendo, particularmente, laços de amizade com García Lorca e Luis Buñuel. No final dos anos 20 instala-se em Paris, onde se liga aos surrealistas. Entrega-se a um realismo minucioso, quase fotográfico, orientando a sua obra para uma permanente recordação de paisagens da sua infância, no sentido do gosto pelos ambientes sobre-humanos, onde o épico, o místico e o erótico se confundem. A sua obra, de um carácter estritamente pessoal, adapta-se às mais diversas mudanças de estilo, desde o renascentista ao impressionista. A sua temática é variada: onírica nos relógios moles de A Persistência da Memória; política em Alucinação Parcial. Seis Aparições de Lenine sobre Um Piano; religiosa no Cristo de São João da Cruz; pictórica em A Rendeira de Vermeer e em Reminiscência Arqueológica do «Angelus» de Millet... Entre as suas melhores obras deve também referir-se A Cesta de Pão, Mae West e A Madona de Port Lligat.

Fonte - Blog da Sabedoria

2008-04-15T12:19:00.001-03:00

Religioso

Art Decor

Arte Nova

Contemporâneo

Arte pública: exemplar que reúne 55 vitrais no Mercadão, São Paulo

Utilitário - Porta-copos chiquérrimos com os vitrais da Catedral de Palma de Maiorca.

Na memória visual e afetiva - o vitral

A utilização do vidro como suporte para exprimir um sentido para a vida teve o seu inicio e expoente máximo, na idade Média, tendo evoluído por todo o período, como forma superior de fervor religioso e interpretação das alegorias da Bíblia, numa tentativa de explicar os Evangelhos aos crentes e aos infiéis. Sendo uma expressão plástica muito característica do Cristianismo, ela ganhou força e consistência com a representação das diversas cenas Bíblicas, existindo uma profusão de obras expostas em numerosas Igrejas e Catedrais, um pouco por toda a Europa. Da simples rosácea, esotérica e simbólica até a expressão figurativa, decorativa e utilitária, um longo caminho foi percorrido, havendo contudo uma uniformidade de conceito religioso e plástico comum: a transparência, o jogo, a luz, o espiritual emanativo e o puzzle da sua construção.

Fonte

Relicário

2008-04-03T20:18:00.002-03:00

Escaparate Cuadros Venecia

Escultura sacra em madeira.Autor desconhecido.

Menino Jesus com a Cama

Nota: Imagem datada do Séc. XVIII . Barro cozido e madeira. Belo exemplo em miniatura do mobiliário da época, com detalhes de acantos entalhados e pintados. O admirável modelado do Menino Jesus demonstra a habilidade do seu ignorado autor. Museu de Arte Sacra da UFBA.

Imagem Escaparate. Expo. O valor do efêmero.

Vermeer, simplesmente notável!

2008-03-20T20:15:00.001-03:00

Senhora sentada ao virginal , uma das últimas obras do pintor Vermeer (clique na imagem para melhor definição)

A relação entre música e artes plásticas, em vários momentos da história, foi bastante íntima, como na relação entre cantos e catedrais durante o período Gótico, por exemplo. Mas a utilização da representação de instrumentos musicais na pintura tem uma simbologia particular, freqüentemente relacionada com abordagens alegóricas, fazendo alusão à sensibilidade e valores espirituais.

"O Violone repousa como um homem fatigado escutando o encanto da espineta acariciada suavemente pela jovem. A moça olha para o pintor, diríamos que perturbada pela entrada deste, a intimidade da sua comunhão com a música foi quebrada. Não, a surpresa não pode ser má, a jovem esboça um meio sorriso muito discreto e dedilha o instrumento sem se deter. O violone continua tombado, um instrumento demasiado forte para fazer conjunto com um suave virginal, tão suave e virginal como o aspecto da donzela. O violone espera pelo resto da família para poder exercitar o seu som masculino, barbudo, paternal, num concerto para as visitas de logo à noite". (Henrique Silveira, crítico de música, Portugal)

Nota 1: Johannes Vermeer (Delft, 1632 - 1675) , pintor holandês, que também é conhecido como Vermeer de Delft ou Johannes van der Meer. Vermeer viveu toda a sua vida na sua terra natal, onde está sepultado na Igreja Velha (Oude Kerk) de Delft. É o segundo pintor holandês mais famoso do século XVII.

Nota 2: Comemora-se hoje o Dia da Música. É o dia de Santa Cecília, que se celebra em 22 de Novembro. Uma Santa que ficou padroeira da música por erro de tradução ou de interpretação do latim!

Picasso lidera «top ten» dos artistas mais roubados do mundo

2008-03-06T06:50:00.006-03:00

Pablo Picasso, Two women running on the beach

O pintor espanhol Pablo Picasso encabeça o «top ten» dos artistas mais cobiçados pelos ladrões: nenhum autor vivo ou morto tem tantas obras roubadas ou desaparecidas como ele, segundo uma lista anualmente actualizada pela Art Loss Register.

O pintor natural de Málaga não só é o líder indiscutível da lista, como o faz com uma enorme e trágica vantagem, com 693 obras roubadas - mais 305 do que o segundo classificado, Joan Miró, e mais 327 que o terceiro, Marc Chagall, revelou a ALR, empresa sedeada em Londres e que opera em todo o mundo, hoje citada pelo diário espanhol El Mundo.

Além dos roubos, a lista da ALR inclui também as obras recuperadas que, a avaliar pelos números, não são muitas.

Por exemplo, das 693 obras de Picasso roubadas, 572 continuam em paradeiro desconhecido, entre as quais «Cabeça de Cavalo» (1962) e «Copo e Jarra» (1944), ambas roubadas em Pfaeffikon (Suíça) no início de Fevereiro deste ano e das quais não voltou a saber-se nada. Continua...

Carybé

2008-03-01T08:07:00.009-03:00

CAÇADORES, 50 x 66 cm, tempera sobre papel, 1973

Outras obras

Carybé (1911-1997), nome artístico de Hector Julio Paride Bernabó, pintor figurativo brasileiro de origem argentina, cuja estilização gráfica aproximou-se da abstração. Nasceu na cidade de Lanús e, após ter vivido na Itália dos 6 meses aos 8 anos de idade, radicou-se no Brasil, inicialmente no Rio de Janeiro, onde estudou na Escola Nacional de Belas Artes. Artista multifacetado

Os principais roubos de obras de arte realizados nos últimos anos

2008-02-19T10:02:00.009-03:00

Quadros de Degas, Van Gogh e Monet são roubados em Zurique

Pinturas roubadas em Zurique podem ter sido encontradas. As telas de Paul Cézanne(alto à esq.), Vincent Van Gogh, Claude Monet e Edgard Degas. As pinturas roubadas do museu Buehrle de Zurique, na tarde do domingo, 10, podem ter sido encontradas dentro de um veículo no estacionamento de um hospital psiquiátrico em Zurique, na Suíça, segundo informou a mídia local.

Os principais roubos de obras de arte realizados nos últimos anos

A polícia informou que gangue rendeu um guarda de segurança antes de levar os quadros, no que está sendo considerado como um dos maiores roubos de obras de arte dos últimos 20 anos. Para o porta-voz da polícia, Marco cortese, o roubo das telas é um dos maiores já ocorrido na Europa. Ele comparou o roubo ao de 2004, quando ladrões levaram O Grito e Madonna de Edvard Munch de um museu da Noruega.

Os quadros roubados no domingo à noite da famosa coleção Emil Buehrle, que contém algumas das obras mais importantes do impressionismo, eram: Campo de Papoulas perto de Vétheuil (1879), de Claude Monet, Conde Lepic e suas Filhas (1871), de Edgar Degas, Branches de Marronier en Fleur (ramos de castanheiras em flor (1890), de Vincent Van Gogh, e Rapaz de Colete Vermelho (1888), de Paul Cézanne.

Os ladrões levaram os quadros em uma van branca que aguardava do lado de fora.

Esse é o segundo roubo de obras de arte na Suíça em menos de uma semana. Na quinta-feira, 7, dois quadros de Pablo Picasso foram roubados de uma exposição no centro cultural da cidade suíça de Pfäffikon. As obras roubadas são as pinturas a óleo Tête de Cheval (1962) e Verre et Pichet (1944), que tinham sido emprestadas para a exposição pelo Museu Sprengel de Hannover, na Alemanha.

Dois seguranças constataram imediatamente que os quadros de Picasso, avaliados em milhões de euros, não estavam em seus lugares. E esta não foi a primeira vez que obras do artista espanhol foram roubadas na Suíça. Desde 1980, vários crimes deste tipo foram cometidos, particularmente na galeria de arte Bollag, em Zurique.

O centro cultural de Pfäffikon reabriu suas portas neste fim de semana com medidas de segurança reforçadas, a pedido do Museu Sprengel de Hannover (Alemanha), proprietário dos quadros roubados de Picasso.

O seguro estabelece uma recompensa para quem der informações sobre os autores ou a localização das pinturas roubadas, que foram incorporadas a um registro virtual de obras de arte perdidas chamada "Art Loss", onde os marchands são alertados sobre peças furtadas.

O roubo mais espetacular ocorreu em 1994, quando um suíço e quatro italianos, condenados mais tarde a penas de quatro a cinco anos de prisão, levaram sete quadros, recuperados posteriormente pelo galerista Max Bollag graças a um intermediário.

Roubo no Masp

Em 20 dezembro de 2007, o Museu de Arte de São Paulo (Masp) foi roubado por três pessoas, que levaram as telas O Lavrador de Café (1939), de Portinari, e O Retrato de Suzanne Bloch (1904), de Picasso. O museu ficou fechado por 21 dias. As telas foram encontradas pela polícia 19 dias após o furto e devolvidas ao museu em 9 de janeiro.

Fonte

200 anos - A corte nos trópicos

2008-02-02T19:17:00.001-03:00

200 anos - A corte nos trópicos

Em 22 de janeiro de 1808, com a chegada da família real, o Brasil se tornava sede do império português, condição que durou 13 anos

Wilfred Gadêlha

O Brasil nem era Brasil ainda quando o príncipe regente de Portugal, dom João, viu pela primeira vez a costa da sua colônia mais importante. Era a cidade de São Salvador da Baía de Todos os Santos, a primeira capital do vice-reino, despojada de sua condição em detrimento de outra localidade também com nome de santo: São Sebastião do Rio de Janeiro, o destino final do soberano. O que dom João pensou, ao ver sua nova casa, não disse. O que se sabe é que 13 anos depois, quando voltou a Portugal, o rei, já oficialmente dom João VI, deixou um país à beira da independência. Cheio de problemas como antes – muitos ainda à espera de solução. Mas o que era um arremedo de nação ganhou ares de metrópole, com um sem-número de inovações, avanços e retrocessos dignos de um país soberano.

Os rumos da história luso-brasileira mudaram a partir da ascensão de Napoleão Bonaparte ao trono francês. A guerra na Europa refletiu nas colônias americanas. O Brasil, que, havia décadas, praticamente sustentava um combalido Portugal, viu-se no meio de uma conturbada crise internacional. Inserida nela, a dinastia Bragança, imprensada entre ultimatos franceses e chantagens britânicas. Restava ao príncipe regente – que desde 1792 governava, em virtude da loucura de sua mãe, dona Maria – decidir-se pela solução menos traumática.

Se fora de Portugal a balança pendia ora para Inglaterra, ora para França, dentro da corte de Lisboa fato semelhante vinha acontecendo. Partidários de Napoleão e aliados do rei inglês George III se digladiavam nas coxias do Palácio de Queluz, lutando internamente pelo poder de influenciar o príncipe. Além dessa briga surda, o indeciso dom João relutava em tomar a decisão que ia mudar o desenrolar dos fatos nas décadas seguintes.

Quando a corda já estava quase rompendo, dom João foi obrigado a definir o que faria. E optou por um plano que já havia sido sugerido no século 17, pelo jesuíta Antônio Vieira: migrar para o Brasil e tornar a ex-colônia um império do ocidente. As tropas de Napoleão já estavam às portas de Lisboa e o imperador francês já havia repartido o reino entre seus aliados.

Escoltados por um herói de guerra inglês, sir William Sydney Smith, os nobres portugueses tomam o caminho feito 307 anos antes por Pedro Álvares Cabral. As más condições da esquadra contrastavam com o poderio marítimo da Grã-Bretanha, a senhora dos mares de então, com uma frota de 880 vasos de guerra.

Dom João chega a Salvador em 22 de janeiro de 1808, 56 dias depois de dar adeus à sua Lisboa natal. Em pouco mais de um mês, abre os portos e cria o primeiro curso superior da colônia.

No dia 7 de março, é a vez de o Rio acolher o príncipe regente e seu entourage. Da Quinta da Boa Vista, dom João impulsiona o crescimento da nova capital do império. Imprensa, banco, Casa da Moeda, Missão Francesa. Do Rio, dom João alimenta os sonhos expansionistas de sua mulher, Carlota Joaquina, uma rainha da qual o País não sentiu saudades. A grandiosidade da corte pesa nos bolsos das províncias do norte. Pernambuco não quer mais pagar os luxos do Rio. Revolta-se. Exige respeito e se emancipa, cinco anos antes do Grito do Ipiranga. O sonho da república dura dois meses. O suficiente para o Brasil inteiro saber que a independência está mais perto do que se imagina.

MATÉRIAS VINCULADAS - AQUI

O “empurrãozinho” de Napoleão
Decisão tardia, porém planejada
O Atlântico como testemunha
“Reabastecimento” no Recife
Primeira parada: Salvador
Médicos saem das “barbearias”
A “guerra justa” de dom João
A saga de Damião, o violinista preferido do príncipe regente
Pernambuco se rebela contra nova metrópole
Um ninho de jacobinos de batina
Uma república nas barbas do império
A construção do Rio de Janeiro
Nascem Banco do Brasil e imprensa
Ausente há 13 anos, dom João VI volta para Lisboa sob pressão e deixa um Brasil com sede de liberdade
Fidalgos ditavam moda na “Paris dos trópicos”

Publicado em 22.01.2008

Jacques Resch, um visionário

2008-01-25T03:56:00.001-03:00

Obras de Jacques Resch

Mario de Biasi, poeta da fotografia

2008-01-20T13:19:00.000-03:00

Mario de Biasi, um dos mais importantes fotógrafos do mundo, nasceu em Belluno em 1923 e escolheu a cidade de Milão por adoção. Inicia na fotografia na Alemanha para onde foi deportado durante a segunda guerra mundial em 1948. Nos seus 50 anos de atividade publicou mais de 70 livros fotográficos e muitos premios internacionais, entre os quais Erich Salomon Preis em Colônia, o Premio San Vincent para o jornalismo e o premio pela obra, em Arles. Inúmeras exposições na Itália e no estrangeiro, com participação especial na exposição Italian Metamorphosis no Guggennheim Museum de New York. A fotografia é a sua paixão, atualmente também o ensino e conferências em escolas de arte.

Galeria 1

Galeria 2

Clarice

2008-01-20T08:41:00.000-03:00

"Eu escrevo sem esperança de que o que eu escrevo altere qualquer coisa. Não altera em nada... Porque no fundo a gente não está querendo alterar as coisas. A gente está querendo desabrochar de um modo ou de outro..." Clarice Lispector

Galeria de fotos
site oficial

Mostra - Ex-voto no mundo

2008-01-03T16:25:00.000-03:00

Itália

Coréia

França

Argentina

USA

Brasil

O ex-voto é colocado em local público ou de acesso coletivo e apresenta uma série de formas testemunhais.

O ex-voto é a designação erudita onde podem ser enquadrados nossos milagres e promessas. São oferendas feitas aos santos de particular devoção ou especialmente indicados por alguém que implora ou recebe milagres, como um testemunho público de gratidão. O hábito de oferecer ex-votos continua vivo para grande número de fiéis nas diversas camadas da população. O ex-voto perdeu em valor artístico, mas não deixou de ter um grande significado como forma de expressão da religiosidade, fé e esperança do povo brasileiro.Fundaj.

Tintoretto

2008-01-01T07:19:00.000-03:00

Portrait of a Woman Revealing her Breasts, Tintoretto, Museo del Prado, Madrid

Tintoretto, como era conhecido Jacopo Robusti (Veneza c. 1518 - 31 de Maio de 1594), pintor italiano do final do período renascentista. Um dos principais representantes do maneirismo da escola de Veneza. Jacopo Robusti nasce em Lucca, mas vive desde a infância em Veneza, e por isso é conhecido como pintor veneziano.

Ainda jovem, ganha o apelido Tintoretto, pequeno tintureiro, uma alusão ao ofício do pai, especialista em tintura de seda. Torna-se pintor em 1539, depois de uma rápida passagem pelo ateliê de Ticiano Seu trabalho é particularmente influenciado por pintores romanos que emigram para Veneza, entre 1530 e 1540, e pela pintura de Michelangelo.

Em 1548 já tem reputação profissional estabelecida com a série de cenas mitológicas no Palácio de Doge, em Veneza. Pinta capelas e palácios com afrescos, entre eles o teto da Igreja Santa Maria Dell'Orto. Em 1564 decora com cenas do Velho Testamento as salas da Irmandade de San Rocco, da qual é membro.

Entre suas produções estão pinturas grandiosas pelas cores e pelos efeitos de luz, como o quadro Crucificação, de dimensões imensas, que influenciam toda uma geração posterior de artistas. A obra mostra Cristo no centro de figuras humanas ofuscadas por luzes que distorcem as cores e aumentam a dramaticidade da cena.

Temas religiosos (1)
Temas Religiosos ( 2)
Pinturas na "Scuola Grande di San Rocco", Veneza
Temas mitológicos
Retratos

Fonte: Biografia

A estética do Cangaço

2007-12-09T00:06:00.000-03:00

A estética do Cangaço no vestuário de Lampião, o "rei" do Cangaço

Há 100 anos nascia Lampião, o "rei do cangaço". Esse "rei" assaltou, seqüestrou, torturou, assassinou. E foi assim, como um sádico fora-da-lei, que ele se tornou um ídolo popular. Por trás de sua face bárbara, o cangaceiro Lampião escondia um sensível dândi, devotado às questões estéticas e culturais de seu tempo (início do século) e espaço (agreste nordestino).

1. Chapéu - inspirado no modelo francês adotado pelo imperador Napoleão Bonaparte, de quem Lampião leu a biografia.
2. Lenços - de tafetá francês ou seda pura inglesa; geralmente estampados e coloridos, quebravam a monotonia do tom ocre da roupa.
3. Brincos - ao contrário de outros sertanejos, os cangaceiros usavam brincos e outras jóias.
4. Casaco - desenhado e costurado em algodão ou couro por Lampião, que carregava uma máquina de costura Singer para todos os seus acampamentos; tem também inspirações medievais.
5. Perfume - os cangaceiros costumavam ser reconhecidos pelo cheiro excessivo de perfume, inclusive pelas volantes; Lampião preferia o "Fleur d'Amour", considerado um dos melhores perfumes franceses entre os anos 20 e 40.
6. Calça - o modelo mais usado era com culote e cintura bem alta; usavam até três no inverno devido ao frio à noite.
7. Cabelo - longo. Lampião deixou de cortar os cabelos como promessa, após a morte do irmão, sendo seguido pelos outros cangaceiros; às vezes, eles penduravam anéis no cabelo, depois de lotados todos os dedos das mãos.
8. Arma - como outros adereços, era cravejada de moedas de ouro, influência da marchetaria árabe no sertão nordestino; segundo o historiador Gilberto Freyre, os árabes são uma "eminência parda" na cultura nordestina.
9. Alpargatas - enfeitadas com desenhos costurados; tinham uma lingueta para proteger os dedos
10. Saia - sempre acima do joelho, desrespeitando a convenção da saia rendada até o tornozelo.
11. Anéis - mulheres e homens usavam até três anéis por dedo.
12. Alpargatas - desenhadas e confeccionadas em couro por Dadá, mulher de Corisco, estilista do grupo.
13. Colares - também usados em abundância.

Aqui Da série: Nossos bandidos...
Site Oficial Lampião

Fonte: iar.unicamp. 1997

São Leo, "Berço da Imigração"

2007-11-14T07:47:00.000-03:00

A visita do Graf. Zepellin a São Leopoldo no ano de 1934

Primeiro prédio da prefeitura na época, chamada Intendência

Antiga estação de trem , hoje Museu do Trem

Ponte 25 de Julho, construída em 1865

Monumento do Imigrante

Praça do Imigrante e prédio da Câmara Municipal

Quando o rio se retirava, era a vez dos namorados invadirem a praça

São Leopoldo, RS (cidade em que nasci) é considerada cidade berço da colonização alemã no Brasil. Os primeiros imigrantes chegaram a Porto Alegre, capital da província, logo depois foram enviados para a desativada Feitoria do Linho Cânhamo, um estabelecimento agrícola do governo, que não dera resultados. Essa feitoria localizava-se à margem esquerda do Rio dos Sinos. Em 25/7/1824, esses 39 imigrantes, sendo 33 evangélicos e seis católicos, chegaram ao seu destino. Esta é a data de fundação de São Leopoldo, de onde vem o título de “Berço da Imigração alemã”.

São Léo , hoje

Fantásticas salas do conhecimento

2007-11-06T22:48:00.001-03:00

Biblioteca da Universidade de Coimbra (1290), Portugal

Biblioteca Nacional de Áustria (1493), Vienna, Áustria

Biblioteca do Colégio de Trinity (Séc. XVI), Dublin, Irlanda

Biblioteca do Mosteiro de Melk (1089), Áustria

Biblioteca do Mosteiro Beneditino (1074), Áustria

Biblioteca George Peabody (1857), USA

Biblioteca Strahov (1143)- Sala Teológica - Praga, República Checa

OBVIOUS
um olhar mais demorado...

Mestres da pintura

2007-11-02T02:38:00.001-03:00

Images de Marie - Nativité du Seigneur

Brasil Cult

2007-10-30T10:43:00.001-03:00

fonte do cartaz

EXPOSIÇÃO DE 1922

No dia 7 de setembro de 1922, o presidente Epitácio Pessoa, em meio a um festival de comemorações ao centenário da Independência, inaugurou, oficialmente, a Exposição Internacional do Rio de Janeiro, que, como a Expo de 1908, visava atrair libras e dólares para o Brasil. Prédios monumentais, para abrigar stands de 14 países e de todos os estados brasileiros, foram construídos em duas áreas contíguas, que se estenderam do Palácio Monroe ao Mercado da Praça XV e que abrigaram as mostras dos principais produtos brasileiros. Nesta noite, após o "Te Deum Laudamus" celebrada na catedral Metropolitana, todos os Palácios da Exposição e os navios ancorados no porto iluminaram a mostra num imenso clarão de esplendor e beleza. Pelos altos falantes da exposição foi transmitida, diretamente do Teatro Municipal, a ópera "O Guarani" de Carlos Gomes. Portentosa obra de arte, a exposição de 22 enfeitou a capital por 7 meses, até 23 de março de 1923.

A maldita mania de colecionar

Fonte/imagem: Nosso Século n.26, Abril Cultural.

O blog em Portugal

2007-10-29T13:22:00.000-03:00

O azulejo historiado

"No azulejo historiado, os diversos personagens são captados em plena ação e em que as cenas representadas são envolvidas por molduras extremamente ricas que funcionam como a "boca de cena" de um palco. Tudo isto coincide com o nascimento de uma nova aristocracia que rapidamente prospera e procura criar os seus próprios cenários. Os palácios são então revestidos com belos painéis de azulejo representando batalhas, caçadas ou cenas da vida quotidiana. Grande parte destes painéis são copiados e adaptados de gravuras que na época chegam de França e que passam a ditar a moda...Mas foi sobretudo nas igrejas e nos conventos que o azulejo barroco adquiriu a monumentalidade que o imortalizou. São muitos os exemplares espalhados por todo o País, representando cenas do Velho e do Novo Testamento e contando episódios da vida dos santos, em séries de painéis que assumem, por vezes, um carácter narrativo". O azulejo em Portugal, Continua...

Mostra fotográfica: Azulejos em Portugal

Imagens:
Pequenos lotes da azulejaria decorativa portuguesa encontrados em leilões:

1. “CENA DE TOUREIRO A PÉ - ESTOCADA”, painel de decoração com moldura policromada e reserva a azul. Nota – Colecção de painéis de azulejos com cenas touromáticas, da autoria de Leopoldo Battistini, executados entre 1926-1930 para decorar a residência de verão de D. José Mascarenhas, Conde da Torre.
2. “FIGURAS DE BAILE DE MÁSCARAS”, painel de azulejos portugueses, decoração policromada, séc. XVIII.
3. FIDALGOS JOGANDO AO PEÃO”, painel de azulejos azuis e brancos, portugueses, séc. XVIII.
4. “FIDALGOS NAMORANDO NO TERRAÇO”, painel de azulejos portugueses, decoração a azul tendo águias e anjos na bordadura, séc. XVIII.
5. “VISTA DE CIDADE JUNTO AO MAR”, painel de 180 azulejos, decoração a azul com borda policromada, português, séc. XVIII.
6. “MENINOS JOGANDO À MALHA” e “FIDALGOS EM TERRAÇO”, painel de azulejos com duas cenas, azuis e brancos, portugueses, séc. XVIII.
7. “SANTO ANTÓNIO E DIVERSAS PERSONAGENS”, painel de 350 azulejos, decoração a azul, bordadura com anjos e animais fantásticos, portugueses, séc. XVIII.
8. "FIDALGOS NA CAÇA", painel de cento e dezanove azulejos, decoração a azul, portugueses, séc. XVIII.
9. “FIDALGO E PAJENS BRINCANDO NO JARDIM”, painel de azulejos portugueses, decoração a azul tendo águias e anjos na bordadura, séc. XVIII. Nota - painéis semelhantes encontram-se no Palácio dos Marqueses de Minas em Lisboa - ver Rioletta Sabo e Jorge Nuno Falcato in “Azulejos - Arte e História - Azulejaria de Palácios, Jardins e Igrejas em Lisboa e Arredores”, Edições INAPA - 1998, pág. 120 e segs.
Leilões de arte

Piero della Francesca

2007-10-28T20:19:00.000-03:00

Madonna of Segnigallia, early 1470s, Galleria Nazionale at Urbino.

Anunciação

A obra do pintor Piero della Francesca, representante do Quattrocento italiano, permaneceu no esquecimento até que em princípios do século XX foi considerada pelos estudiosos uma importante expressão da arte renascentista italiana. Piero Franceschi, que depois adotou o nome de Piero della Francesca, nasceu em Borgo San Sepolcro, Itália, entre 1410 e 1420. Em 1439 viveu em Florença, onde foi aluno de Domenico Veneziano. Em 1442 tornou-se conselheiro municipal de Borgo San Sepulcro, onde executou seu primeiro trabalho, para a confraria da Misericórdia. Após entrar em contato com a corte do duque de Urbino, iniciou, em 1452, os afrescos da igreja de San Francisco, em Arezzo, nos quais trabalhou durante sete anos. Nessa obra monumental, conhecida como "A lenda da cruz verdadeira", a arte do autor já se revela em sua plenitude e maturidade. Em 1459, Piero esteve em Roma a serviço do papa Pio II. Viveu, depois, entre Arezzo e Urbino, até que retornou, já velho e cego, à cidade natal. Embora represente o Quattrocento italiano, Piero della Francesca contradiz alguns de seus aspectos por não adotar os elementos medievais encontrados em Paolo Ucello, nem o realismo dramático de Masaccio. O pintor destacou-se também como teórico da arte. Além de revolucionar quanto aos princípios estéticos, realizou investigações técnicas sobre questões pictóricas, geométricas e arquitetônicas. Dos tratados que escreveu, conservam-se apenas dois, sobre perspectiva e geometria. Suas obras pictóricas incluem "Anunciação", "Ressurreição", "São Jerónimo", "Madona do Parto" e "Natividade". Piero della Francesca morreu em Borgo San Sepolcro em 12 de outubro de 1492.

Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda.
Pitoresco

Retratos da Infância

2007-10-16T08:31:00.001-03:00

Retrato de Dom João IV, infante, Duque de Bragança, Pedro Américo, 1879

Óleo sobre tela Coleção MNBA, Rio de Janeiro

O retrato do Infante D. João IV, Duque de Bragança, de Pedro Américo é uma pintura histórica que mostra o lendário príncipe regente português, conforme a solenidade exigida pelos retratos oficiais. O segundo oferece apenas o rosto de um jovem burguês, no qual ainda estão indefinidos seus traços masculinos.

Na Idade Média, por exemplo, imagens de crianças não apareciam em pinturas e esculturas, denotando a inexistência de um conceito específico para a infância nessa época. Entre as profundas transformações legadas pelo Renascimento, encontramos o reconhecimento da infância como fase específica do desenvolvimento humano. A partir de então, esta categoria ganhou território na história da arte ocidental, transformando-se em motivo de retratos religiosos e leigos, cenas de gênero e, por vezes, em protagonista dessa história.

No final do século XIX, poetas e artistas passaram a ver a infância como paradigma do ato criativo. Não estavam mais interessados na reprodução do mundo infantil, mas em retornar, de certa forma, à percepção primeira, sem preconceitos, atribuída às crianças. Para alguns dos mais importantes artistas do século XX, como Klee, Kandinsky, Miró e Calder, o impulso lúdico - ou impulso para o jogo - não era apenas característico da infância. Seguindo as reflexões do poeta e filósofo romântico alemão Friedrich Schiller, esse impulso também seria jogo estético e, portanto, artístico; seria atributo do homem e, mais do que isso, o definiria enquanto ser livre e espiritual. Para boa parte dos artistas modernos, portanto, a arte tornou-se sinônimo de espaço lúdico, compartilhando com o universo infantil o território da livre expressão.

Fonte

No tempo do folhetim

2007-10-06T14:06:00.000-03:00

imagem

Folhetim é uma obra romanesca na qual sobressai a intriga, por vezes recambolesca, editada em episódios sucessivos no jornal ou na rádio. Originalmente, o folhetim era um artigo ou crónica sobre literatura, ciência, crítica, publicado na parte inferior e a toda a largura dum jornal. Foi no início do século XIX que surgiu o folhetim. Todos os jornais quiseram, então, ter o seu folhetim. Tornou-se comum o romance-folhetim, tornado célebre pelo espírito ou invenção de Eugéne Sue, Alexandre Dumas e seus seguidores. O romance-folhetim divertia e prendia o leitor, desempenhando, assim, um grande papel, sobretudo na imprensa popular.

E o Público?

2007-10-03T07:33:00.000-03:00

"Quando a gente entra, dá para entender porque é gratuito!" . (A crise da arte contemportânea definida por um chofer de táxi diante do Tate Modern Museum em Londres).

"Não são os trabalhos conceituais que afastam o público das manifestações do gênero. É a maneira como estes trabalhos são usados para criar uma estratégia de decepção. Hoje, como não existe mais nada para contestar, creio que se pode dizer que, infelizmente, entramos na Era da Frustração, na qual, não apenas os artistas mas sobretudo os que detem o poder institucional, fazem exata e propositalmente o oposto daquilo que o público espera. Saindo de seus secretos e inatingíveis “conciliábulos de especialistas”, eles parecem dizer: “Você quer isto? Ah! Então não vai ter!”. Trata-se de algo que, além de perverso, é a expressão máxima da coqueteria, coisa da ordem de uma sedução barata. O que, paradoxalmente, não pode ser mais destrutivo e incorreto. Se não, em meio a tantas “denúncias”, que saídas apontam as obras que enchem as Bienais?" Sheila Leirner, jornalista, crítica de arte e curadora, autora do blog "Como,Onde e Como", em entrevista a Revista Valor Econômico.

"É preciso tirar a arte do gueto em que a instalaram, como se fosse um produto totalmente solto no tempo e no espaço, e convocar para a análise de obras e autores, de maneira sistêmica, alguns instrumentos críticos das ciências humanas e sociais, contrariando, assim, a estranha afirmação do maior crítico norte-americano do século passado — Clement Greenberg, que a lingüística não tem nenhuma contribuição a dar à crítica de arte. A antropologia, a sociologia, a psicanálise, a semiologia e o estudo da economia e do marketing, entre outras disciplinas, têm muito a esclarecer sobre o imbroglio em que a arte se meteu. Repito: é preciso tirar a questão da arte do gueto em que a instalaram, onde certos curadores, leiloeiros, marchands e galeristas decidem o que antes estava na alçada de críticos, ensaístas, historiadores, professores colecionadores que não encaravam a arte como pura commodity". Affonso Romano de Sant´Anna, escritor, poeta, ensaista, em Desconstruindo Duchamp

(Ricardo Rayol, esse post vai pra você)

Charles Baudelaire: Don Juan aux enfers

2007-09-15T07:50:00.001-03:00

Don Juan aux enfers

Quand Don Juan descendit vers l'onde souterraine
Et lorsqu'il eut donné son obole à Charon,
Un sombre mendiant, l'oeil fier comme Antisthène,
D'un bras vengeur et fort saisit chaque aviron.

Montrant leurs seins pendants et leurs robes ouvertes,
Des femmes se tordaient sous le noir firmament,
Et, comme un grand troupeau de victimes offertes,
Derrière lui traînaient un long mugissement.

Sganarelle en riant lui réclamait ses gages,
Tandis que Don Luis avec un doigt tremblant
Montrait à tous les morts errant sur les rivages
Le fils audacieux qui railla son front blanc.

Frissonnant sous son deuil, la chaste et maigre Elvire,
Près de l'époux perfide et qui fut son amant,
Semblait lui réclamer un suprême sourire
Où brillât la douceur de son premier serment.

Tout droit dans son armure, un grand homme de pierre
Se tenait à la barre et coupait le flot noir;
Mais le calme héros, courbé sur sa rapière,
Regardait le sillage et ne daignait rien voir.

Dom Juan nos infernos

Quando ao mundo da treva desceu Don Juan,
Assim que a Caronte o óbolo pagou,
Um mendigo sombrio, mirada malsã
E braço vingador, cada remo tomou.

Com as roupas abertas e os seios de fora,
Um bando de mulheres, na negra manhã,
Rebanho sensual que matadouro implora,
Mugia atrás do herói num lânguido cancã.

Leporelo, a zombar, o salário cobrava.
O velho Don Luís, totalmente tantã,
Apontava a um morto, que ali passava,
O filho que jogou na lama o seu clã.

Histérica de dor, a casta e magra Elvira,
Ao marido traidor que era o seu afã,
Suplicava um último olhar sem mentira,
Um sorriso com a velha pose de galã.

O gigante de pedra, visão imponente,
Assomava à proa tal Leviatã,
Mas o calmo herói, a tudo indiferente,
Olhava sem temor o reino de Satã.

Charles Baudelaire, tradução Jorge Pontual
by new york on time

Nota 1: Charles Baudelaire, Poeta e crítico francês, é considerado freqüentemente um dos maiores poetas do Século XIX, influenciando a poesia internacional de tendência simbolista. De seu estilo de vida originaram-se na França os chamados poetas "malditos". Um revolucionário em seu próprio tempo... Aqui

Nota 2: Jorge Pontual, repórter e escritor, vive em New York há 10 anos. Jornalista freelancer. Há oito anos faz reportagens para a Globo News, programas Sem Fronteiras e Milênio. No blog várias traduções de Baudelaire e outros textos.

Museu sai a "caça"...

2007-08-28T12:36:00.000-03:00

Para atrair visitantes, a National Gallery espalhou reproduções dos quadros mais famosos de seu acervo pelas ruas de Londres.

PS: Voltei. Agradeço a Santinha (estagiária) a força e talento que deu ao meu blog. Quanto as postagens com uma só mão no teclado, ainda...Santa

ART DECOR = Movimento precursor da Arquitetura Moderna que iniciou no fim do séc. XIX

2007-05-31T22:53:00.000-03:00

Foto 1

O Art decor foi um estilo único. Nem sempre aceito, por vezes era considerado impróprio e sem tradição para caracterizar a fachada da prefeitura de uma cidade que se considerava próspera e em ascensão, por exemplo.

Movimento surgido na última década do século XIX (1890 - 1900), que durou até as primeiras décadas do séc. XX, convivendo com a arquitetura moderna. Despojado, geométrico, procurava inspiração nas linhas geométricas do Egito, Mesopotâmia, Oriente e Pré-Colombianos. Racional e realista, executava a arquitetura do ferro e do vidro, materiais que a indústria colocava no mercado como de última geração para construção civil na época. Fruto direto da Revolução industrial, o art decor foi um movimento precursor da arquitetura moderna, de quem esta teria herdado os princípios do funcionalismo.

A revolução industrial provocou mudanças substanciais na sociedade e no modo de vida, gerando crescimento acelerado das cidades e causando, com isso, profundas modificações no meio urbano. Modalidades de construções que jamais haviam existido como estações de trem, edifícios altos, fábricas, lojas e centros comercias, pavilhões de exposição para a exibição dos produtos industrializados etc. agora eram tipologia de construção característica da época. Havia a necessidade de um prédio mais funcional, que pudesse ser construído num espaço de tempo menor, com linhas mais despojadas dispensando muito dos detalhes de ornamento utilizados nos períodos passados.

Foto 2

O art decor não foi aceito de maneira imediata por todos, muitos acreditavam ser melhor construir uma fábrica com tecnologia da época e contratar um arquiteto especialista em barroco ou gótico para dar um toque decorativo à fachada. Com isso, o ecletismo e diversos "neos" de períodos do passado conviviam com um movimento que era da atualidade e percebia a vocação do futuro nas linhas racionais e funcionais da arquitetura.

Foto 1: Art Decor - Platibanda em concreto com vazados geométricos simulando os desenhos dos gradis de ferro tão em uso na época. Detalhe da porta principal com desenho orgânico, lembra a asa de um inseto, muito utilizado pelas propostas art decor e art nouveau.

Foto2 - Eclético - A presença do porão é comum na época. Balaústrada na platibanda e cornija logo abaixo, clássicas. Padieira em forma de cornija acima das janelas também é clássica, mas o elemento ornamental rebuscado quebra a formalidade comum ao clássico. Os caixilhos das janelas e a cor da casa denotam a presença do art decor. Esse ecletismo, mesmo que discreto, acompanha a arquitetura brasileira até a década de trinta do séc. XX.

Fonte

Russo: "Isso tem glamour!"

2007-05-10T07:11:00.000-03:00

Russo e seu colar de ouro da Rede Globo - presente do Doutor Roberto

O cobrador da linha que leva de Engenho da Rainha até Casacadura não repara no rosto de ninguém. Mas esse senhor que acaba de sentar, já avisando que não paga a passagem porque passa dos 70, ele estranhou. Ou, pelo contrário, sentiu já conhecer aquele velho de boca frouxa e o olhar claro. De onde? Não pode ser da TV, não. Não nessa linha, tão pobre e carregada de trabalhador. Não nesse horário, 7:30 da manhã. Eis que uma senhora abre um sorriso, fala algo que o motor abafa, cata um papel na bolsa, uma caneta, e pede um autógrafo, prontamente concedido pelo senhor da boca frouxa assim que o ônibus pára em outro ponto. O cobrador não sossega mais. Quem é? Seu nome é Antônio Pedro de Souza e Silva e tem 73 anos. Mora no Engenho da Rainha, bairro da periferia norte do Rio de Janeiro. Acorda perto das seis da manhã, antes da serralheria que funciona embaixo de seu modesto apartamento começar o barulho. Desce a rua estreita, sem pavimentação, passa por um terreno murado, todo pichado com a sigla do Comando Vermelho, que à noite serve como boca de fumo. Gasta mais ou menos uma hora em um ônibus até o bairro de Cascadura. Mais uma hora no segundo coletivo até Jacarepaguá, onde chega para o batente às 9 da manhã. Rotina dura, e nada incomum para trabalhadores do subúrbio. Não fosse por um detalhe – os autógrafos e a meia hora extra que gasta no caminho para dar atenção aos fãs, ao povo que faz questão de trocar umas palavras, tirar uma foto ou pedir um autógrafo para ele, o funcionário na ativa mais antigo da televisão brasileira. O cobrador força a memória e lembra! É o rosto que há décadas aparece no fundo de dezenas de programas campeões de audiência. No seu crachá da Rede Globo não há seu nome de batismo. Está escrito o apelido que ganhou em 1946, assim que plugou o primeiro microfone nas fase de testes da TV Tupi – Russo.

Russo e seu patrão, algoz e redentor Chacrinha

Russo “trabalha” desde os 7 anos. Começou a carreira bebendo colheradas de vinagre puro para ganhar alguns réis de quem duvidasse do sacrifício. O dinheiro ajudava sua família de 12 pessoas – o pai, imigrante russo, a mãe, portuguesa, e seus nove irmãos. Adolescente, nem se lembra como, começou a segurar microfones na rádio Tupi. De noite, para interar a renda, fazia bico como trapezista de circo. E foi justamente no trapézio, aos 14 anos, que perdeu todos os dentes ao cair de cara na borda do picadeiro. Latejando de dor, na hora desistiu da carreira artística. Ganhou a boca frouxa, meio cômica, que até hoje recusa uma dentadura. Até tentou uma prótese, “mas comecei a assobiar, engordar, achei estranho. Dentadura não é pra mim.”

Na época do acidente, com a gengiva inchada, entrou de cabeça no promissor emprego que lhe ofereceram no quinto andar do prédio da Tupi. Iria cuidar do áudio de um novo meio de comunicação que, diziam muitos, substituiria o rádio – a televisão. Em 1946, ainda em circuito fechado, em fase de testes, começou a trabalhar na TV Tupi. Antes de baixar âncora na Globo, passou pelas extintas TVs Rio, Continental e Excelsior, sempre montando microfones.

O anonimato dos bastidores acabou quando em 1965 seu chefe no palco, Chacrinha, notando a boca frouxa, convocou Russo para servir de palhaço no palco e ganhar um extra. Vestiu uma peruca colorida, roupas largas e ajudava Abelardo Barbosa a atirar bacalhau na platéia, a atazanar artistas em playback ou a se submeter sorrindo às piadas sobre sua beleza polêmica. Conheceu e cuidou da voz de muita gente famosa. De Sidney Magal no “Cassino” a Frank Sinatra no Maracanã.

Russo, à direita, ao lado da câmera, anos antes de ir para a frente dela

Já recebe aposentadoria, mas nem pensa em sossegar na velhice. Tem quem sustentar. Sua casa é bem humilde e transparece o orçamento apertado. Conversar com Russo em sua sala requer foco – sua memória embaralha histórias, responde coisas que não foram perguntadas, a serralheria no andar de baixo está na ativa e Laryssa, sua “filhinha”, está pedindo atenção. A garotinha de dois anos não tem sangue de Russo, mas ele trata como sua. É filha de sua namorada, Adriana, uma jovem e voluptuosa negra, clássica musa de subúrbio carioca que Russo venera. “Ela precisa de mim, sabe? O ex marido tá na cadeia, um cara perigoso”, revela, sem experiência com jornalistas, em um sábado de folga onde recebeu Fudeus para essa reportagem. A única folga na semana.

Fazendo papel de palhaço com as Paquitas

“Sou famoso. Graças a Deus” - suspira Russo, como que aliviado. Seus olhos tristes ganham vida quando fala das pessoas o reconhecem, do carinho das crianças, dos aplausos que recebe vira-e-mexe em alguma situação pública. Porque quando o assunto é sua vida privada, ele desanima um pouco. Da Rede Globo recebe por mês cerca de R$2.000. Pelas palhaçadas que faz no Caldeirão do Huck ou em algum outro programa da Globo recebe R$70 de cachê. Mais a aposentadoria de R$800 não daria um salário de fome. Mas Russo não era fácil… “Sou meio marinheiro. Saí por ai fazendo filho” – explica-se o homem que já foi chamado pela imprensa de “o último mata-cachorros”, um farrista. Quando vai à Caixa Econômica Federal do centro do Rio no quinto dia útil, três mulheres, uma de Niterói, uma de Xerém e uma de Jacarepaguá, estão esperando por ele e pelo dinheiro que sustenta seus cinco filhos. Somando com as contas de seu, Adriana e Laryssa, mais os preparativos para sua próxima filha com Adriana que nascerá em dezembro, não sobra nem para o aluguel - conta que Luciano Huck paga todo mês para ajudar seu contra-regra favorito.

Maria Alcina e Russo - montados na fama no final dos anos 70

Russo não larga seus álbuns de fotos enquanto conta episódios. À medida que relaxa e se convence que a matéria é realmente sobre ele, só sobre ele, envaidece-se um pouco. E, antes de criar empáfia enumerando mais pessoas importantes que são amigos de verdade, seus olhos se enchem de lágrimas. Para mim foi bem difícil. Choro de velho me arrasa. Aliso seu ombro devagar e digo que realmente, ele é um homem querido. A pele está gasta e larga no corpo miúdo, sua mente confunde nomes e datas, e seus olhos estão turvos, perdidos entre lamúrias e glórias. Seu choro contido com o afago parecia sair da fenda entre a fama e a pobreza, da lacuna nunca superada entre o shwbizz e a realidade de Engenho da Rainha. Entre o amor de Xuxa e o toque de recolher do CV vez ou outra baixa. Enxuga o olho e retoma:“Todo mundo me fala que eu tenho que me candidatar a vereador. E o pior é que eu acho que seria eleito mesmo.”

O contra-regra que poderia ser vereador coloca o microfone a lapela do presidente

Seu maior orgulho, no entando, não são os áudios que armou ou as pataquadas de auditório. Russo não se cansa de exaltar a amizade com seus ex-patrões. Tem foto com Deus e o mundo, e um álbum que guarda com amor: imagens dos quartos gigantes onde Xuxa estoca os milhares de presentes que ganhou dos fãs. Ele pode visitar tais salas do tesouro da “nossa rainha”.Mas Russo não quer mudar. Prefere ser pobre, “para se manter simples”. Prefere andar de ônibus, “para não atropelar ninguém”. E prefere fazer campanha para eleger o ator Sterphan Nercessian à câmara carioca para cumprir sua plataforma de ajudar o Retiro dos Artistas [instituição que abriga velhos artistas sem dinheiro] do que buscar ele mesmo uma escora financeira.

Seu Antônio Pedro, o Russo, em frente a sua casa

“O povo acha que eu tenho uma casa bacana porque eu apareço na Globo, conheço os artistas. Quando descobrem sempre perguntam porque a Globo nunca me deu uma casa, porque eu não ganho aumento, promoção”. – comenta enquanto, à pedido da reportagem, coloca o apertado colar com um pingente de ouro puro moldado com o logo da Globo que ganhou, pessoalmente, de Roberto Marinho. “Aumento só de trabalho. "Só mais uma pergunta me interessava no fim daquela manhã: Não se sente frustrado, Russo? “Não, eu sou feliz. Não adianta discutir. Tem que esperar a bondade deles" – suspira novamente, revelando o espírito conformado que parece ser o carrasco e o bálsamo na apertada vida de Antônio Pedro.

Fudeus Existe: pequenos cinismos e grandes verdades
Matéria (não editada) publicada na revista Trip 128 .

Correntes e estilos na Arte Moderna

2007-04-17T23:17:00.000-03:00

Piet Mondrian

Students proudly display their artwork inspired by French artist Piet Mondrian

O desenvolvimento da tecnologia, passando da mecânica à eletrônica, o surgimento de transportes modernos (avião) e dos meios de comunicação de massa (rádio, cinema) transformam o mundo nas primeiras décadas do século. Nas artes plásticas, esse mundo novo se reflete no aparecimento de diversas correntes e estilos. A variedade e simultaneidade de propostas estéticas novas criam também a necessidade de grandes exposições periódicas como a Bienal de Veneza (criada em 1895) e, mais tarde, a Bienal de São Paulo (em 1951) e a Documenta de Kassel (em 1955).

Expressionismo

O primeiro movimento moderno começa na Alemanha, nos últimos anos do século XIX. Ganha mais consistência às vésperas da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), expressando a angústia desse período. Forma-se a partir de dois grupos: Die Brücke (A ponte), de Dresden, e o Der Blaue Reiter (O cavaleiro azul), de Munique. Os integrantes do primeiro grupo (Otto Muller, Kirschner, Emi Nolde, entre outros) eram agressivos e politizados; já os Cavaleiros Azuis (Kandinsky entre eles) tinham uma visão espiritualizada do universo, manifestando-se sobretudo através da cor. Suas obras mostram figuras em sofrimento, numa dor que contamina toda a tela por meio do uso do mesmo ritmo de pinceladas na execução de cada parte.

Fauvismo

Sob influência da pintura de Paul Gauguin, o fauvismo (de fauve, fera, em francês) surge em Paris em 1905, com Henri Matisse, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain. Com cores vivas, muitas vezes saídas diretamente dos tubos de tinta, e composições frenéticas, a pintura fauvista exalta o instinto em lugar da razão.

Henri Matisse (1869-1954), pintor e escultor francês. Nasce em Nice, estuda direito em Paris e começa a pintar só por volta de 1890. Seus primeiros trabalhos retratam interiores e naturezas-mortas; depois é influenciado pelos pós-impressionistas e adota o fauvismo. Sua teoria artística se reflete no título de obras como Luxo, calma e voluptuosidade e Alegria de viver. O equilíbrio sereno entre forma e fundo evolui em seu contato com a arte decorativa do Oriente Médio, que o leva a trabalhar em recortes e colagens. De 1949 a 1951, trabalha na decoração da Capela de Vence, no sul da França, em que sua arte atinge extremo grau de simplicidade.

Primitivismo

Com desenho ingênuo, deformações de perspectiva, temas alegres ou exóticos e repletos de detalhes engenhosos, o primitivismo contesta as regras de composição clássicas. Seus melhores representantes trazem um vigor inédito na pintura. Pintores como o autodidata Henri Rousseau (A encantadora de serpentes) o adotam integralmente; outros, como Picasso, Miró e Matisse fazem uso de parte de sua estética.

Cubismo

Em 1907, o espanhol Pablo Picasso pinta Les demoiselles d'Avignon (As senhoritas de Avignon). Como a Olympia, pintada por Manet cerca de 50 anos antes, revoluciona sua época e expõe uma mescla de desejo e insolência quase hostil. Essa agressividade perturbadora é atingida por Picasso com o uso da técnica simultaneísta, base do cubismo.

Simultaneísmo – O rosto das figuras exibe ao mesmo tempo o perfil e a frente – como nas máscaras africanas em que Picasso se inspirou – e o olhar delas ganha poderes hipnóticos. Com a disposição das figuras em planos – influenciado por Paul Cézanne –, mostra mais de um ângulo de visão. É como num cubo, do qual, vendo-se uma única face, vê-se o todo. Além de Picasso, o francês Georges Braque e o espanhol Juan Gris praticam o cubismo. O estilo acaba por se diferenciar em duas vertentes: o cubismo analítico, que decupa a figura em diversas partes, e o sintético, que se divide da figuração imediata. Com o cubismo, inaugura-se também o uso da colagem (estampas e objetos são colados à tela em vez de copiados) e de referências à comunicação de massa (pedaços de jornais e fotos são agregados à tela).

Pablo Picasso (1881-1973), pintor e escultor espanhol. Nasce em Málaga, estuda em Barcelona, mas é em Paris que desenvolve sua carreira. Prodigioso desde menino, estuda os velhos mestres e se apaixona pela pintura de Cézanne. Por volta de 1906, conhece a arte primitiva e passa a experimentar novos conceitos de figuração e perspectiva. Em 1907, pinta Les demoiselles d'Avignon, marco artístico do século. Nessa tela, já começa a desenvolver o estilo que depois seria batizado de cubismo. Depois de uma fase clássica (1919-1925), abandona a sintaxe cubista e experimenta diversas técnicas, em obras de grande poder inventivo. Em 1937 pinta a célebre Guernica, retratando os horrores da Guerra Civil Espanhola.

Futurismo

Fundado em 1909 pelo poeta italiano Filippo Marinetti, o futurismo celebra os signos do novo mundo: a velocidade, a comunicação de massa, a industrialização. Sua idéia é a de que a arte deve lidar com a realidade contextual de maneira radical, recriando-a em termos formais. Se o mundo atual é dinâmico e imediatista, cabe à arte sê-lo também. Os italianos Umberto Boccioni e Giacomo Balla e o francês Fernand Léger fazem arte futurista. Mais tarde, suas inovações quanto ao dinamismo da obra de arte levam à criação da arte cinética de Naum Gabo, Anton Pevsner, Laszlo Moholy-Nagi e outros, que usam a sucessão de linhas e planos paralelos para dar a idéia de movimento.

Dadaísmo

O inconformismo de cubistas e futuristas diante de um mundo em que a máquina pode produzir a beleza e o artesanato quase não existe é radicalizado pelo dadaísmo. Fundado em Zurique, em 1915, pelo poeta Tristan Tzara, defende a idéia de que qualquer combinação inusitada promove o efeito estético. Como crítica ao encerramento da arte em museus e galerias, o francês Marcel Duchamp, em 1912, coloca uma roda de bicicleta sobre um banquinho de madeira, inventando o ready-made (arte que subverte a utilidade de materiais existentes). Outros artistas dadaístas são Max Ernst e Francis Picabia.

Marcel Duchamp (1887-1968), artista francês. Nasce em Paris. Sua obra inicial tem influência do cubismo, do futurismo e do surrealismo, mas abandona a pintura na década de 20. Em 1912, inventa o ready-made com Roda de bicicleta. Em 1917, manda um urinol invertido, batizado de Fonte, para uma exposição. Em seguida, se torna um dos líderes do movimento dadaísta. De 1946 a 1966 supostamente deixa a arte pelo xadrez, mas na verdade trabalha em Etant Donnés, uma obra tridimensional, com técnicas mistas, que é vista através de dois postigos num sobrado espanhol; a cena revelada é a de uma paisagem ensolarada, com cascata, e em primeiro plano uma mulher nua de pernas abertas.

Surrealismo

O surrealismo surge na França em 1924, liderado pelo poeta e crítico André Breton, sob influência das teorias de Sigmund Freud sobre o inconsciente e a sexualidade. Pintores como o espanhol Salvador Dalí, o russo Marc Chagall e os belgas René Magritte e Paul Delvaux buscam uma linguagem onírica, repleta de simbologia e da forma narrativa dos sonhos. Rompem o eixo tradicional do figurativismo: as figuras saem da vertical (um casal flutua), perdem a proporcionalidade (um homem pode ser maior que uma casa) e sofrem alterações inverossímeis (relógio derrete). Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi e Alberto Giacometti praticam o surrealismo na Itália; Yves Tanguy e Robert Delaunay, na França.

Abstracionismo

Em 1910, o pintor russo Vassily Kandinsky pinta a primeira obra abstrata – ou seja, em que não existe uma referência real, ou em que, se existe, essa referência é secundária. O que importa essencialmente são as formas e cores da composição. O abstracionismo pode ser dividido em informal ou geométrico. Alguns, como o holandês Piet Mondrian, o romeno Constantin Brancusi e o norte-americano Alexander Calder, não podem ser encaixados em nenhuma das duas vertentes, embora tendam mais para a segunda. Fazem um abstracionismo de princípios geométricos mas procuram sobretudo dar musicalidade às formas, que adquirem expressividade. Esta linha irá influenciar o minimalismo.

Abstracionismo informal – Defende as formas livres e busca o lirismo no ritmo estabelecido pelo jogo cromático e espacial. Kandinsky, Paul Klee, depois Nicholas de Staël e Richard Diebenkorn são alguns dos abstracionistas informais, que vão mais tarde influenciar o expressionismo abstrato.

Abstracionismo geométrico – As formas são obtidas mediante um sistema rigoroso – com base, por exemplo, em formas geométricas como quadrados, triângulos ou círculos – e não há a intenção de expressar algum sentimento ou idéia. Artistas como Kasimir Malevitch, os construtivistas russos (Rodchenko, Tatlin, Lissitsky) e os seguidores da escola alemã Bauhaus (os arquitetos Walter Gropius e Mies Van Der Rohe), que enfatiza a funcionalidade na nova arte, adotam os princípios desse abstracionismo, que mais tarde vai influenciar o concretismo.

Piet Mondrian (1872-1944), pintor holandês. Nasce e estuda pintura em Amsterdã. Pinta paisagens, passa ao cubismo e, a partir de 1912, abandona sua tendência expressiva e colorista. A relação de linhas e planos, como estruturação de áreas de cor, passa a ser sua única preocupação artística. Entre 1914 e 1917, faz a série Composições, em que abole a representação. A partir daí, aperfeiçoa crescentemente seu estilo: utiliza apenas cores primárias e quadriláteros. Em 1942 e 1943, faz a série Broadway Boogie-Woogie, em que dá ritmo e expressividade à sucessão de pequenos planos coloridos.

Expressionismo abstrato

Utilizando o nome inventado para descrever a obra de Kandinsky, o expressionismo abstrato predomina nos EUA, nos anos 40. Artistas como Jackson Pollock, Willem De Kooning e outros postulam uma pintura em que o essencial está na expressão da individualidade, da subjetividade do pintor. Para eles, essa manifestação só poderia ser exclusivamente individual se o autor o fizesse de maneira livre, gestual, sem projeto prévio. O francês Georges Mathieu (sob o nome de tachismo), o holandês Karel Appel e a portuguesa Maria Helena Vieira da Silva fazem o mesmo. Nos anos 60, essa abstração gestual dará lugar à color-field painting (pintura de campos de cor), praticada nos EUA por Kenneth Noland, Barnett Newman, Frank Stella, Mark Rothko e Morris Louis. A color-field painting usa áreas geométricas extensas e monocromáticas que convidam, pela própria vibração e harmonia entre si, à contemplação do observador.

Concretismo

Nos anos 50 surge o concretismo. A expressão "arte concreta" já havia sido criada pelo holandês Theo Van Doesburg, em 1930. O movimento concretista surge, em 1955, na Escola Superior da Forma, em Ulm (Alemanha), baseado na teoria elaborada pelo suíço Max Bill. Os concretistas rejeitam a abstração e a expressividade, seja a lírica de um Kandinsky ou Mondrian, seja a religiosa de um Malevitch ou Rothko. Sua ambição é liquidar a sintaxe tradicional, que faz distinções entre forma e conteúdo, entre figura e fundo, entre sujeito e objeto, e estabelecer uma nova linguagem, que para eles é o design. Mais tarde, nos anos 60, essas idéias vão fazer surgir a op art (arte óptica), que busca estimular o observador por meio de efeitos ópticos que fazem alternar e confundir forma e fundo, colocando em questão o senso de profundidade.

Referências bibliográficas

ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas, SP: Papirus, 1990.

100 Anos de Cícero Dias

2007-04-07T03:53:00.000-03:00

Cícero Dias, o mais francês dos pintores brasileiros do século 20

Cicero Dias (Escada PE 1907 - Paris, França 2003) - O imaginário exuberante do nordeste brasileiro, a luminosidade do Brasil, a brisa do mar nos campos de cana-de-açúcar, as mulheres desejadas e a cultura popular carioca estão presentes na obra deste mestre da pintura.

O autoritarismo que germinava no Brasil o forçou a decidir pelo exílio voluntário em Paris, onde conheceu o pintor Pablo Picasso. A vida do brasileiro esteve cercada da mesma paixão que inspirou sua obra. Durante a Segunda Guerra Mundial, em 1942, ele arriscou a vida ao fazer chegar o poema "Liberté", de Paul Eluard, para a Inglaterra.

Acabada a guerra, Dias se instalou definitivamente em Paris. No entanto, fazia viagens freqüentes ao Brasil. Em 2002, participou do lançamento do livro "Cícero Dias - uma Vida pela Pintura", de Waldir Simões e Mario Hélio Lima. Cicero Dias morreu aos 95 anos em Paris, em 28 de janeiro de 2003. Seu corpo está enterrado no cemitério de Montparnasse, na capital francesa.

Modernismo Brasileiro

Arte no Brasil

2007-04-06T00:20:00.000-03:00

Publicações

Nair de Tefé, a primeira caricaturista brasileira

2007-03-31T08:09:00.000-03:00

Nair de Tefé (1886-1981) - Nasceu em Petrópolis, Rio de Janeiro em 1886, a primeira caricaturista brasileira; era filha do Barão de Teffé e mais tarde casou-se com o marechal Hermes da Fonseca, presidente da República. Estudou em Paris e Nice e desde muito nova sentiu grande atração pela caricatura. Publicou seu primeiro trabalho em 1909, na revista Fon-Fon, sob o pseudônimo de Rian. Era a caricatura de uma atriz da época e a partir daí passou a trabalhar primeiramente figuras femininas da sociedade carioca. Logo após os homens também tiveram suas caricaturas, publicadas na Gazeta de Notícias. Seu traço era ágil e sabia captar o caráter das pessoas. Sua carreira artística durou até 1913, quando então casou-se com o Presidente da República. Também era pintora, cantora e pianista. Suas telas representavam figuras belas. Aos 73 anos, voltou a fazer caricaturas. Morreu no Rio de Janeiro com 95 anos.

Fontes das imagens: Museu Historico Nacional

Cidade Cenográfica de Nova Jerusalém

2007-03-17T23:39:00.000-03:00

Forum de Pilatos

Templo de Jerusalém

Cénaculo

Palácio de Herodes

Jardins da Babilônia

Fonte no Lago de Betsedá

A PAIXÃO DE CRISTO EM PERNAMBUCO, BRASIL.

Há mais de 40 anos é encenado em Pernambuco, em Brejo da Madre de Deus, na cidade-teatro de Fazenda Nova, o espetáculo PAIXÃO DE CRISTO, considerado o maior espetáculo ao ar livre do mundo.

A Paixão de Cristo de Nova Jerusalém é um espetáculo móvel, onde o público se integra às cenas como se estivessem percorrendo os caminhos da velha Jerusalém que é cercada por uma muralha de pedra com 7 portas e 70 torres de 7 metros. No seu interior, atores e figurantes, seguidos de perto por quase 8 mil expectadores, percorrem os arruados e os 9 palcos-platéia, num espetáculo interativo. SABER MAIS

Ilha de Itamaracá / Pernambuco

2007-03-17T11:21:00.000-03:00

Fotos: Winfried W. Dorneich

série Obras Raras - Di Cavalcanti

2007-03-11T09:32:00.000-03:00

A pintura de Di Cavalcanti mostra a exuberância tropical do país e da sua sensualidade sem folclore.

Obras em Serigrafias, originais de Di Cavalcanti

EMILIANO DI CAVALCANTI - (1897-1976) desenhista, caricaturista e um dos pintores brasileiros mais consagrados. Em 1914 publica sua primeira caricatura e em 1916 participa do I Salão dos Humoristas do Rio de Janeiro. Muda-se para São Paulo em 1917 e emprega-se como revisor no jornal "O Estado de São Paulo". Faz ilustrações para "O Pirralho". Sua primeira individual de caricaturas acontece em São Paulo em 1917. Frequenta a partir de 1918 o ateliê de Georg Fischer Elpons. Em 1922 participa da Semana de Arte Moderna, em São Paulo. Em 1923 viaja para Paris, onde cursa a Academia Ranson. Conhece Breton, Léger, Max Ernst, De Chirico, Matisse, Braque e principalmente Picasso, de quem estuda a maneira monumental. Em 1929 realiza a decoração do foyer do Teatro João Caetano no Rio de Janeiro, uma de suas obras prediletas. Vive em Paris de 1937 a 1940, ano que retorna ao Brasil já consagrado.

Pintura: Burle Marx

2007-03-10T01:53:00.000-03:00

Roberto Burle Marx (1909 - 1994). Paisagista, arquiteto, desenhista, pintor, gravador, escultor, tapeceiro, ceramista. Reside no Rio de Janeiro durante sua infância. Viaja para a Alemanha, entre 1928 e 1929, e visita teatros, óperas, museus e galerias de arte. Entra em contato com as obras de Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Paul Klee e Degner Klemn. No Brasil, faz curso de pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes - Enba, Rio de Janeiro, entre 1930 e 1934, sendo aluno de Leo Putz, Augusto Bracet e Celso Antônio. No Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal foi aluno do pintor Candido Portinari e do escritor Mário de Andrade. Realiza a primeira individual de pintura em 1941, no Palace Hotel, Rio de Janeiro. Expôs no Salão Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, em 1941, 1945 e 1947; na Bienal de Veneza (Itália), em 1950, 1970 e 1978; na Bienal Internacional de São Paulo, várias edições entre 1951 e 1965.Fonte: Itaú Cultural

Obras em panneaux de Burle Marx

ABSTRATO, 244 x 65 cm, panneaux (tinta sobre tecido), 1983

ABSTRATO, panneaux (tinta sobre tecido), 120 x 150, 1991.

Robert Doisneau, o fotógrafo das ruas

2007-02-22T06:31:00.000-03:00

Le Meute, 1969

The Helicopters, 1972

Barbarian prisoner and Callipygian Venus, Versailles, 1966

Fox terrier on the Pont des Arts, 1953

Women with the Same Hat, 1956

Angels and Leeks, 1953

Hell, 1952

Man Handing Chair into Woman in Newsstand, Paris, 1951

La Musique des Puces, 1944

L'Aeroplane de Papa, 1934

Kiss by the Hotel de Ville, 1950

Les écoliers de la rue Damesme, 1956

Coleção completa AQUI

Originalmente formado em litografia, Robert Doisneau abraçou em 1929 um novo interesse como fotógrafo autodidacta. Via a fotografia como o meio ideal de registar a vida durante os seus passeios por Paris. A sua carreira como fotógrafo começou em 1934 na fábrica da Renault em Billancourt, onde esteve empregado como fotógrafo industrial e de publicidade. Ainda em 19369, decidiu tornar-se fotojornalista independente, mas a guerra forçou-o a desistir do sonho de vir a trabalhar por conta própria. Serviu o exército francês em 1940 e daí até ao fim da guerra trabalhou para a Resistência. Mas mesmo assim não desistiu de trabalhar como fotógrafo, fazendo postais para ganhar a vida. Em 1949, Doisneau assinou contrato com a revista Vogue, para a qual trabalhou como fotógrafo a tempo inteiro até 1952 e, desde então, como independente. Mas não entrou para os anais da fotografia como fotógrafo de moda. O que o tornou famoso foi a "fotografia de rua". Em inúmeros instantâneos, documentou com humor e empatia a vida nos subúrbios de Paris. A sua fotografia mais famosa é "Beijo em frente ao Palácio da Câmara Municipal", que se tornou um ícone do amor jovem e violento numa grande cidade. Robert Doisneau nasceu em Gentilly, perto de Paris, em 1912 e morreu em Paris em 1994.

Fonte:

JG, autor do Blog da Sabedoria e do O Século Prodigioso

Jean Genet, adorável maldito

2007-02-03T00:24:00.000-03:00

Jean Genet (Paris, 19 de dezembro de 1910- 15 de abril de 1986)

Quando fui fazer uma pós-graduação em teoria da arte me deparo de cara com o primeiro desafio - apresentar um seminário sobre uma das obras de Jean Genet, o Balcão.

Nada fácil: dias, noites, horas e quanto mais aprofundava maior era a sensação que nada sabia sobre o escritor, poeta, drogado e revolucionário para estética do seu tempo. Genet se tornou um dos maiores escritores franceses, filho de uma prostituta, de pai desconhecido (naquele tempo era comum enviar às regiões rurais as crianças abandonadas da capital) foi adotado por um casal de Morvan, na Borgonha. Após abandonar a família adotiva, Genet passou a juventude em reformatórios e prisões onde afirmou sua homossexualidade.

Enquanto compunha romances ou peças consagradas como O balcão, Os negros e Os biombos, criou uma mitologia pessoal marcada por escândalos, roubos e rixas. Colecionou uma sucessão de amantes, que o acompanharam pelo baixo mundo parisiense e conquistou a nata da intelectualidade européia. Seus primeiros trabalhos, Nossa Senhora das Flores e O milagre da Rosa, chamaram a atenção de Jean Cocteau, entre outros, mas foi através da influência de Jean Paul Sartre que ficou famoso.

Depois do suicídio do suicídio de um dos seus amantes e do amigo e tradutor Bernard Frechtman, ele próprio tentou matar-se. Genet atravessou a década de 60 colhendo frutos de sucesso de seus romances, peças e roteiros. A partir dos anos 70 até a sua morte, em 1986, engajou-se na defesa de trabalhadores imigrantes na França, assumiu a causa dos palestinos e envolveu-se com líderes de movimentos norte-americanos como Panteras Negras e beatnicks. Suas memórias no livro "Diário de um ladrão", narram suas aventuras e andanças pela Europa, suas paixões e seus sentimentos.

Vale a pena conhecer, através de sua obra, o universo abissal de Jean Jennet...

Pieter Brueghel

2007-02-02T22:19:00.001-03:00

The Peasant Wedding

Landscape with the Fall of Icarus

The Children's Games

Pieter Brueghel, el Viejo, es uno de los más grandes pintores flamencos del siglo XVI. Su genio se ha equiparado frecuentemente al de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas como El Triunfo de la Muerte que pende en el Museo del Prado. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que conoció a estudiosos y científicos de su país. Además, viajó por Italia para aprender la forma de pintar de los renacentistas, permaneciendo incluso una temporada en el taller de un maestro siciliano. Su viaje le valió además una importante colección de dibujos excelentes sobre el paisaje de los Alpes, que hubo de atravesar durante su viaje. Tal vez esto resultara más importante para su carrera que el aprendizaje con los italianos, puesto que a su regreso desarrolló una serie de paisajes muy difundidos en Europa mediante el grabado. En esta misma técnica, realizó ciertos temas moralizantes, normalmente ilustraciones a refranes típicos, algo que también había hecho El Bosco (por ejemplo en La Piedra de la Locura). Su afición por los temas populares ha hecho que se le conozca como Brueghel el Campesino.

Ray Caesar

2007-01-27T22:57:00.000-03:00

Obra de Ray Caeser. A técnica do desenho consiste em criar uma estrutura tridimensional com software de modelagem e sobrepondo na superficie com fotografias, pinturas e texturas manipuladas por meios digitais. O resultado é uma imagem realista e expressiva. Gallery

Women at the Piano

2007-01-06T22:02:00.000-03:00

“Women at the Piano vol. 1” coletânea de gravações históricas lançada recentemente pela Naxos.

O CD, com boa qualidade sonora, abre com a legendária pianista Monique de la Bruchollerie (1915-1972) interpretando uma “Toccata” de Saint-Saëns, no típico estilo virtuosístico das paráfrases de concerto. No caso, trata-se de uma fantasia pianística em torno de temas do Concerto número 5, “O egípcio”, do próprio Saint-Saëns. Como em todas as outras faixas de CDs, há um terrível acúmulo de trabalheira digital, com dedinhos saltitantes à direita e trovoadas monstruosas à esquerda, mas a música de Saint-Saëns é de uma alegria, de um repique de notas repetidas, de uma sabedoria psicológica em deixar o ouvinte feliz a cada retorno de seus temas.

Na segunda faixa, a brasileira Guiomar Novaes (1895-1979) é quem faz bonito, numa peça cintilante de seu professor no Conservatório de Paris, Isidore Phillip. “Feux-follets” é uma obra de grande virtuosismo, e bastante bonita; dá pena que não tenham incluído nessa coletânea outros momentos de grande bravura técnica de Guiomar Novaes, como a marcha das “Ruínas de Atenas” de Beethoven, e uma memorável gravação do Capricho de Saint-Saëns sobre melodias de “Alceste” de Gluck; isso está disponível num CD nacional que também traz Guiomar Novaes e Otto Klemperer no 4^o concerto de Beethoven.

Outras preciosidades de “Women at the Piano 1” são Marguerite Long tocando uma peça de Milhaud (“Alfama”, uma miniatura comparável às de “Saudades do Brasil”), Myra Hess brincando lindamente com os “Poissons d’ Or” de Debussy, e Reah Sadowsky (quem??) tocando nada menos que o “Corta-Jaca” de Fructuoso Vianna. Música leve, sem dúvida. O lado mais pesado, se há algum, fica a cargo de Gaby Casadesus, que despeja toneladas numa pobre peça de Couperin, e de Harriet Cohen, que desvencilha-se de uma enfarruscadíssima espécie de passacaglia escrita por sir Arnold Bax.

Fonte: Cultura e crítica
Imagem:Piano-Legs-Posters